Когда и почему бетховен начал терять слух?
Сразу отметим, что Людвиг не родился глухим. Более того, слепым и немым он также не был (по поводу «слепоты» — Бетховена в этом плане часто путают с Бахом).
Подобно всем остальным эпизодам биографии Бетховена, его глухота (а точнее, причины ее развития) также вызывает вопросы и множество споров со стороны разных биографов.
В частности, в интернете Вы можете найти значительное количество гипотетических причин глухоты Бетховена. По данным самых разных биографов, что только ни влияло на потерю слуха у великого композитора: от неврологических нарушений и внутреннего отита (лабиринтита) до отравления свинцом и сифилиса.
Наверное, одни только инопланетяне не были замешаны в развитии у композитора данного заболевания. В любом случае все эти гипотетические причины не имеют никакого значения, ибо на самом деле ни один, даже самый лучший биограф или мед-эксперт, не знает, от чего именно Бетховен стал глухим.
Даже на сегодняшний день потеря слуха является огромной проблемой не только для больного, но и для лечащего его врача — ведь причин заболевания может быть огромное количество. Один только этап диагностики может стать настоящей головоломкой для врача — и это при нынешних медицинских технологиях.
Поэтому вопрос «почему великий Бетховен потерял свой слух?» не имеет и не может иметь правильного ответа и, скорее всего, никогда его не получит.
Если же все-таки попытаться сузить круг гипотетических причин глухоты Бетховена, то наиболее «адекватной» версией является аномальный рост у композитора кости внутреннего уха (отосклероз), который, в свою очередь, мог быть следствием болезни Педжета (однако это тоже под вопросом).
Помимо причины глухоты композитора сомнения также затрагивают и примерную дату, когда именно Бетховен начал осознавать, что теряет свой драгоценный слух.
Если же усреднить данные разных биографов, то можно точно предположить, что первые признаки ухудшения слуха Людвиг начал замечать в период с 1795 по 1800 годы — тогда ему было 24-29 лет, соответственно. Однако, судя по письмам самого Бетховена, мы можем точно сказать, что первые признаки потери слуха он начал замечать как минимум с 1796 года.
Глухой композитор продолжает творить
Наверное, самым поразительным является тот факт, что, несмотря на прогрессирующую глухоту, Людвиг продолжал сочинять просто потрясающие произведения.
Даже когда глухота полностью победит его, несчастный Людвиг, топая ногами и завывая, будет писать красивейшую музыку которую он сам не сможет услышать физически, но эта музыка будет звучать в его голове. Во многом ему поначалу помогали специальные слуховые трубки (1816—1818), которые сейчас находятся в его родном доме-музее в Бонне (они изображены на заставке в начале статьи). Но композитор недолго их использовал, так как по мере развития глухоты смысл в их использовании уменьшался.
Не известно нам и точное время, когда именно Бетховен полностью лишился слуха. Большинство биографов склонны верить ученику Бетховена — великому композитору Карлу Черни, утверждавшему, что его учитель полностью потерял слух в 1814 году, а за пару лет до этого еще мог слышать музыку и речь.
Однако другие данные свидетельствуют о том, что в это время Бетховен все еще разбирал звуки, просто гораздо хуже, чем раньше, и поэтому вынужденно прекратил концертную деятельность.
Более тщательный разбор биографических источников позволяет говорить о почти полном наступлении глухоты у Бетховена в 1823 году — левое ухо тогда, судя по всему, слышало очень плохо, а правое — практически уже не работало.
В любом случае, после написания Гейлигенштадского завещания Людвиг продолжает жить дальше и сочинять музыку. Несмотря на свой недуг, а также на безответную любовь к графине Джулии Гвиччарди и последующее разочарование в ней (а также на другие неудачные романы, о которых мы поговорим в следующих выпусках)
Ну а в последние годы Бетховен и вовсе пользовался специальными «разговорными тетрадями» (начиная с 1818), с помощью которых он общался со своими друзьями. Как правило, они писали в этих тетрадях какие-то вопросы либо реплики, а Людвиг отвечал на них — либо также письменно, либо устно (напомним, что немым Бетховен не был).
После 1822 года Людвиг, вообще, откажется от любого рода медицинской помощи для лечения его слуха, ибо в то время ему придется лечить совершенно другие болезни.
Глухой музыкант и его музыка — людвиг ван бетховен
Жан Антуан Ватто (1684-1721) — Савояр с сурком
Савояр — житель Савойи (Франция), странствующий музыкант с шарманкой и дрессированными сурками.
Людвиг ван Бетховен — Сурок (1790)
Поёт Большой детский хор
«Сурок» — классическая песня Людвига ван Бетховена на стихи Иоганна Вольфганга Гёте (из пьесы «Ярмарка в Плундерсвейлере»). Песня исполняется от имени маленького савояра, зарабатывающего в Германии песнями с дрессированным сурком. В оригинальном тексте перемежаются немецкие и французские строки. В переводе на русский язык более всего известен вариант, имеющий очень мало общего с текстом Гёте — в сущности, ничего, кроме припева.
При прослушивании этой песни даже у несентиментальных людей на глаза наворачиваются слёзы. Как фортепианная пьеса эта песня используется во многих курсах обучения музыке. Я тоже играла её в детстве. Но вот чего я никогда не думала, так это того, что я доживу до такого времени, когда в моей стране будет множество бездомных людей и среди них дети. Они не ходят с шарманками и с сурками, но разве от этого их жизнь становится легче?
Людвиг ван Бетховен родился в декабре 1770 года в Бонне. Точная дата рождения не установлена, известна лишь дата крещения — 17 декабря. Его отец Иоганн (1740-1792) был певцом, тенором, в придворной капелле, мать Мария-Магдалина, до замужества Кеверих (1748-1787), была дочерью придворного шеф-повара в Кобленце, они поженились в 1767 году. Дед Людвиг (1712-1773) служил в той же капелле, что и Иоганн, сначала певцом,басом, затем капельмейстером. Он был родом из Мехелена в Южных Нидерландах, отсюда и приставка «ван» перед фамилией.
Отец композитора хотел сделать из сына второго Моцарта и стал обучать его игре на клавесине и скрипке.
В 1778 году в Кёльне состоялось первое выступление мальчика. Однако чудо-ребёнком Бетховен не стал, отец же перепоручил мальчика своим коллегам и приятелям. Один обучал Людвига игре на органе, другой — на скрипке.
В 1780 году в Бонн приехал органист и композитор Кристиан Готлоб Нефе. Он стал настоящим учителем Бетховена — Нефе сразу понял, что у мальчика талант. Благодаря Нефе, было издано и первое сочинение Бетховена — вариации на тему марша Дресслера. Бетховену в то время было двенадцать лет, и он уже работал помощником придворного органиста.
После смерти деда материальное положение семьи ухудшилось. Людвигу пришлось рано бросить школу.
В это время Бетховен начал сочинять музыку, но не спешил печатать свои произведения. Многое написанное в Бонне впоследствии было им переработано. Из юношеских сочинений композитора известны три детские сонаты и несколько песен, в том числе «Сурок».
В 1787 году Бетховен посетил Вену. Прослушав импровизацию Бетховена, Моцарт воскликнул:
— Он всех заставит говорить о себе!
Но занятия так и не состоялись: Бетховен узнал о болезни матери и вернулся в Бонн. Она умерла 17 июля 1787 года. Семнадцатилетний юноша был вынужден стать главой семьи и взять на себя заботу о младших братьях. Он поступил в оркестр в качестве альтиста.
В 1789 году Бетховен, желая продолжить образование, начинает посещать лекции в университете.
После неудачной попытки учиться у Гайдна Бетховен выбрал себе в учителя Антонио Сальери.
Бетховен много работает и много пишет — его сочинения начали широко издаваться и пользоваться успехом. За первые десять лет, проведённых в Вене, было написано двадцать сонат для фортепиано и три фортепианных концерта, восемь сонат для скрипки, квартеты и другие камерные сочинения, оратория «Христос на Масличной горе», балет «Творения Прометея», Первая и Вторая симфонии.
В 1796 году Бетховен начинает терять слух. У него развивается тинит — воспаление внутреннего уха, приводящее к звону в ушах. По совету врачей он надолго уединяется в маленьком городке Хайлигенштадте. Однако покой и тишина не улучшают его самочувствия. Бетховен начинает понимать, что глухота неизлечима. В эти трагические дни он пишет письмо, которое впоследствии будет названо хайлигенштадтским завещанием. Композитор рассказывает о своих переживаниях, признаётся, что был близок к самоубийству:
— Мне казалось немыслимым покинуть свет, раньше, чем я исполню всё, к чему я чувствовал себя призванным.
Из-за глухоты Бетховен редко выходит из дома, лишается звукового восприятия. Он становится угрюм, замкнут. Именно в эти годы композитор одно за другим создаёт свои самые известные произведения.
Среди них:
Людвиг ван Бетховен — Соната N14 — Лунная соната (1800-1801)
Партия фортепиано — Мария Гринберг
Людвиг ван Бетховен — Соната N23 — Аппассионата (1803-1805)
Партия фортепиано — Ланг Ланг
В эти же годы Бетховен работает над своей единственной оперой «Фиделио». Эта опера относится к жанру опер «ужасов и спасения». Успех к «Фиделио» пришёл лишь в 1814 году, когда опера была поставлена сперва в Вене, потом в Праге, где ею дирижировал знаменитый немецкий композитор Вебер и, наконец, в Берлине.
Незадолго до смерти композитор передал рукопись «Фиделио» своему другу и секретарю Шиндлеру со словами: «Это дитя моего духа было произведено на свет в более сильных мучениях, чем другие, и доставило мне величайшие огорчения. Поэтому оно мне дороже всех…».
Людвиг ван Бетховен — Опера «Фиделио» в постановке Цюрихской оперы (2004)
Оркестр Цюрихской оперы
Дирижёр — Николаус Харнонкурт
Партия Леоноры (Фиделио) — Камилла Найланд
Партия Флорестана — Йонас Кауфманн
Rafał Olbiński — Fidelio
Рафал Ольбиньски — Фиделио
Постер к опере Бетховена
В Хайлигенштадте композитор приступает к работе над новой Третьей симфонией, которую назовёт Героической.
Людвиг ван Бетховен — Симфония N3 (Героическая)
Дирижёр — К. Мазур (ГДР)
Гевандхауз-оркестр (Лейпциг — ГДР)
Запись сделана в Большом зале Московской консерватории
Изначально симфония была посвящена Наполеону Бонапарту, но потом, композитор разочаровался в его политике и отменил своё посвящение.
Бетховен — Симфония N5 часть1 (1803-1804)
Калининградский симфонический оркестр
Дирижер — Эдуард Дядюра
Симфония N5 до минор, op. 67, написанная Людвигом ван Бетховеном в 1804-1808 годах, — одно из самых знаменитых и популярных произведений классической музыки и одна из наиболее часто исполняемых симфоний. Впервые исполненная в 1808 в Вене, симфония вскоре приобрела репутацию выдающегося произведения.
Людвиг ван Бетховен — Симфония N5
Государственный академический оркестр Республики Беларусь
Дирижер — Михаил Снитко
В результате глухоты Бетховена сохранились уникальные исторические документы: «разговорные тетради», куда друзья Бетховена записывали для него свои реплики, на которые он отвечал либо устно, либо в ответной записи.
После 1812 года творческая активность композитора на время падает. Однако через три года он начинает работать с прежней энергией. В это время созданы фортепианные сонаты с 28-й по последнюю, 32-ю, две сонаты для виолончели, квартеты, вокальный цикл «К далёкой возлюбленной».
Много времени уделяется и обработкам народных песен. Наряду с шотландскими, ирландскими, уэльскими, среди них есть и русские.
Людвиг ван Бетховен — Шотландская застольная
Поёт — Народный артист СССР Максим Михайлов
Запись 1944 года
Но главными созданиями последних лет стали два самых монументальных сочинения Бетховена — «Торжественная месса»…
Телевизионная передача из цикла «Партируры не горят» — «Бетховен. Торжественная месса»
Ведущий передачи — Артём Варгафтик
Людвиг ван Бетховен «Торжественная месса» (Missa Solemnis)
Исполняет Городская капелла Дрездена (Staatskapelle Dresden), 2021
Дирижёр — Кристиан Тилеманн (Christian Thielemann)
Поют — Крассимира Стоянова, Элина Гаранча, Михаэль Шаде, Франц-Йозеф Селиг
… и Симфония N 9 с хором.
Девятая симфония впервые была исполнена в 1824 году. Публика устроила композитору овацию. Известно, что Бетховен стоял спиной к залу и ничего не слышал, тогда одна из певиц взяла его за руку и повернула лицом к слушателям. Люди махали платками, шляпами, руками, приветствуя композитора. Овация длилась так долго, что присутствовавшие тут же полицейские чиновники потребовали её прекращения. Подобные приветствия допускались только по отношению к особе императора.
Людвиг ван Бетховен — 9-я симфония
Дирижёр — Павел Коган
Юбилейный концерт, посвящённый 60-летию Павла Когана
Запись сделана в Большом зале Московской консерватории
Павел Леонидович Коган — дирижер, академик Российской академии искусств, художественный руководитель и главный дирижер Московского государственного академического симфонического оркестра, народный артист России, лауреат Государственной премии РФ.
Людвиг ван Бетховен на стихи Фридриха Шиллера — финал 9-й симфонии — Ода «К радости»
Финал 9-й симфонии сегодня используется в качестве гимна Евросоюза.
Ода «К радости» (An die Freude) — написана в 1785 году Фридрихом Шиллером для дрезденской масонской ложи по просьбе его друга-масона Христиана Готфрида Кёрнера. Ода была изменена в 1793 и положена на музыку Бетховеном.
В 1972 году она была принята в качестве официального гимна Совета Европы, а с 1985 года — Европейских сообществ (Европейского союза с 1993 года).
В 1974 году на основе этой мелодии принят государственный гимн Южной Родезии «Звучите громче, голоса Родезии».
После смерти младшего брата композитор взял на себя заботу о его сыне. Бетховен помещает племянника в лучшие пансионы и поручает своему ученику Карлу Черни заниматься с ним музыкой. Композитор хотел, чтобы мальчик стал учёным или артистом, но его привлекало не искусство, а карты и бильярд. Запутавшись в долгах, он совершил попытку самоубийства. Попытка эта не причинила особого вреда: пуля лишь чуть оцарапала кожу на голове.
Бетховен очень переживал по этому поводу. Здоровье его резко ухудшилось. У композитора развивается тяжёлое заболевание печени.
Бетховен умер 26 марта 1827 года. Свыше двадцати тысяч человек шли за его гробом. На могиле прозвучала речь, написанная поэтом Францем Грильпарцером:
— Он был художник, но также и человек, человек в высшем смысле этого слова… О нём можно сказать, как ни о ком другом: он совершил великое, в нём не было ничего дурного.
Документальный фильм из серии «Знаменитые композиторы», посвящённый Людвигу ван Бетховену
Бессмертная возлюбленная — художественный фильм производства Англии и США (1994)
Режиссёр и автор сценария — Бернард Роуз
В главной роли снялся Гэри Олдмен, который сам музицировал на экране: игра на фортепиано его хобби.
Вот что сказал о сюжете этого фильма его продюссер Брюс Дэйви:
«В общем-то это не хроника жизни, — это мистерия, это любовная история, и мы хотели показать его музыку, его семью и женщин в его жизни.»
Людвиг ван Бетховен — Скрипичный концерт
§
Концерт для скрипки с оркестром D dur (ре мажор) Людвига ван Бетховена — единственное законченное произведение Бетховена подобного рода.
Бетховен написал этот концерт по заказу скрипача-виртуоза Франца-Йозефа Клемента (1780-1842).
Премьера концерта состоялась 23 декабря 1806 года в Вене.
Существует предание, что Клемент и его ансамбль получили рукопись от композитора только наутро премьеры и, таким образом, вынуждены были играть практически с листа. Это объясняет наличие некоторых «утомительных» повторов на которые жаловался скрипач.
Премьера концерта не увенчалась успехом. В последующие годы концерт подвергался доработке и только в 1844 году, уже после смерти Бетховена, 12-летнему скрипачу Йозефу Иоахиму в сопровождении оркестра под управлением Феликса Мендельсона удалось с успехом исполнить это произведение. С тех пор концерт D dur op 61 для скрипки с оркестром Бетховена стал одним из самых значительных произведений скрипичного репертуара — он часто исполняется и записывается сегодня.
В печатной версии этот концерт посвящён Стефану фон Бройнингу — поэту-любителю, другу детства Бетховена.
Концерт D dur op. 61 рассматривается специалистами как прототип в жанре концертов для скрипки и потому считается, что он в значительной мере повлиял на развитие этой музыкальной формы.
Существует переложение этого концерта Бетховена для фортепиано.
Фортепианная версия не достигает качества скрипичной и именно поэтому некоторые исследователи предполагают, что транскрипцию осуществил не сам автор, а один из его учеников.
Концерт состоит из трёх частей:
1.Allegro ma non troppo
2.Larghetto — attaca
3.Rondo (Allegro)
Бетховен — Скрипичный концерт
Соло на скрипке — Ицхак Перлман
Берлинский филармонический оркестр
Дирижёр — Даниэль Баренбойм
Ицхак Перлман родился в 1945 году в Тель-Авиве (Израиль).
Учился в музыкальной академии в Тель-Авиве и в Джульярдской школе (США).
Впервые выступил в 1963 году в Карнеги-Холле.
В 1964 году занял первое место на конкурсе имени Левентритта (США) — конкурсе скрипачей, организованном Фондом Левентритта и названном в честь юриста и большого почитателя музыки Эдгара Левентритта.
У Ицхака Перлмана хороший голос — бас, поэтому он исполняет и оперные арии.
Единственная проблема — в раннем детстве он переболел полиомиелитом и потому вынужден передвигаться на костылях, а играть на скрипке сидя.
Музыкант был пять раз удостоен премии «Грэмми» в области классической музыки.
Сегодня он один из самых знаменитых скрипачей в мире.
Даниэль Баренбойм родился 15 ноября 1942 года в Буэнос-Айресе — израильский дирижёр и пианист.
Даниэль Баренбойм родился в Аргентине в еврейской семье выходцев из России. Занимался музыкой с пяти лет, его первыми и единственными учителями были мать и отец — Аида Шустер и Энрике Баренбойм (1913-1998), оба пианисты.
В число учеников Энрике Баренбойма входят Даниэл Альфред Вакс, Лало Шифрин, Луис Бакалов и ряд других известных пианистов.
К ученикам Аиды Баренбойм относятся Вячеслав Динерштейн, Эйран Каценеленбоген, Жорж Лепо и другие.
Даниэль дал свой первый концерт в Буэнос-Айресе в возрасте семи лет.
В 1952 году семья переехала в Израиль.
Как пианист Даниэль Баренбойм дебютировал в 1952 году в Вене и Риме. Выступал в ансамбле со скрипачом Адольфом Бушем, пианистом Артуром Рубинштейном, играл с такими дирижёрами, как Вильгельм Фуртвенглер и Отто Клемперер.
В 1954 году Даниэль приехал в Зальцбург учиться дирижёрскому искусству у Игоря Маркевича. С тех пор он концертировал в разных странах мира. Первые записи Баренбойма относятся к 1954 году.
В 1955 году он изучал композицию в Париже у Нади Буланже.
В 1965 году стал руководителем Английского камерного оркестра и записал с ним как пианист и дирижёр все концерты Моцарта (многие критики не видят ничего равного этой записи по сей день.
В 1975 году Баренбойм возглавил Оркестр Парижа, сменив на этом посту Георга Шолти и занимая его до 1989 года.
С 1991 по 2006 год он руководил, опять-таки вслед за Шолти, Чикагским симфоническим оркестром, а кроме того, с 1992 года стал музыкальным директором Берлинской государственной оперы.
С 2006 года — приглашённый руководитель оркестра миланского театра «Ла Скала».
С 2021 года — главный дирижёр и музыкальный руководитель этого театра.
Баренбойм имеет гражданства Аргентины и Израиля, а также почётные гражданства Палестины и Испании, живёт в Берлине.
В Севилье Даниэль Баренбойм вместе с Эдвардом Саидом создал оркестр «Западно-восточный диван», состоящий из молодых арабских и еврейских музыкантов.
В соавторстве с Саидом написал книгу «Параллели и парадоксы» (2002).
Даниэль Баренбойм считается одним из наиболее выдающихся дирижеров современности. Он является лауреатом множества различных премий и обладателем наград самого высокого уровня, в том числе ордена Почетного легиона Французской республики и ордена Британской империи.
На данный момент Баренбойм занимает должности музыкального директора Берлинской государственной оперы и Берлинской государственной капеллы.
А вот ещё одно прекрасное исполнение этого концерта:
Бетховен — Скрипичный концерт
Соло на скрипке — Исаак Штерн
Национальный оркестр Франции
Дирижёр — Клаудио Аббадо
Клаудио Аббадо замечательный и очень знаменитый итальянский дирижёр, но о нём как-нибудь в другой раз, когда пойдёт разговор о Венском филармоническом оркестре.
Исаак Штерн (Айзек Cтерн) родился 21 июля 1920 года в городе Кременце, который на тот момент входил в состав Советской России, а с 1921 года — в состав Польши, — американский скрипач, один из крупнейших и всемирно известных академических музыкантов XX века.
Семья Штерна переселилась в США в 1921 году.
Первые уроки музыки мальчик получил от матери.
1928 — поступил в Консерваторию Сан-Франциско, учился у Наума Блиндера.
Первое публичное выступление состоялось 18 февраля 1936 года с Симфоническим оркестром Сан-Франциско под руководством Пьера Монтё. Исаак Штерн исполнил Третий скрипичный концерт Сен-Санса.
В 1950 году скрипач познакомился с Пабло Казальсом и стал участником его фестивалей в Прадесе.
В 1961 году организовал трио с пианистом Юджином Истоминым и виолончелистом Леонардом Роузом — музыканты выступали вместе более 20 лет.
Штерн открывал и поддерживал молодых музыкантов, среди которых — Йо-Йо-Ма, Ицхак Перлман, Пинхас Цукерман, Шломо Минц и другие.
В автобиографической книге «Мои первые 79 лет» Исаак Штерн отмечал влияние, которое на него оказали скрипачи Натан Мильштейн (США) и Артюр Грюмьо (Бельгия).
Скрипач много концертировал: в Китае, СССР, Израиле и в других странах.
Исаак Штерн был награждён:
— «Премией Соннинг» — Дания (1982);
— премией «Грэмми» «За жизнь в искусстве» (1987);
— «Полярной музыкальной премией» — Швеция (2000);
— «Премией Вольфа» — престижной израильской премией в области искусства, которая была учреждена в 1976 году и считается второй по значимости среди комплексных научных премий после Нобелевской.
Умер выдающийся музыкант 22 сентября 2001 года в Нью-Йорке (США).
Главный зал Карнеги-холла носит имя Айзека Стерна.
Биография Людвига ван Бетховена
§
Скульптура «Александр Сергеевич Пушкин» (бисквитный фарфор)
СССР — Дулёво — 1970-е годы
Мы все впервые встречаемся с книгами в раннем детстве. Сначала это специальные детские раскладные книжки с картинками, потом это книги сказок с иллюстрациями. Среди них первое место занимают сказки Александра Сергеевича Пушкина, обычно богато иллюстрированные. До сих пор помню свои книжки «Русские народные сказки» и «Сказки Пушкина» с иллюстрациями замечательного русского художника Ивана Яковлевича Билибина (1876-1942).
Когда становимся старше, к нам приходят другие книги. Всегда радуешься, если эти книги иллюстрированы, особенно, если эти иллюстрации сделаны хорошими художниками.
Пушкинский роман в стихах «Евгений Онегин» — одно из наиболее известных и значимых произведений великого поэта. Именно поэтому многие художники рисовали к нему иллюстрации, отражая в них пушкинских героев и их внутренний мир в своём видении.
Произведения Александра Сергеевича Пушкина издавали и продолжают издавать и в простых недорогих изданиях, и в
богато оформленных — подарочных, чаще всего большого формата, цена которых может достигать нескольких тысяч рублей. Это уже не просто книги, а настоящие произведения полиграфического искусства, которые редко кто-то покупает для себя, чаще всего такие книги покупают в качестве памятного подарка кому-то.
Думаю, никто бы не отказался получить такую книгу в подарок.
Одна из самых известных художников-иллюстраторов пушкинского «Евгения Онегина» — Елена Петровна Самокиш-Судковская.
Я к вам пишу — чего же боле?
Что я могу еще сказать?
Теперь, я знаю, в вашей воле
Меня презреньем наказать.
Пётр Ильич Чайковский — сцена письма Татьяны Онегину из 1-го действия оперы «Евгений Онегин»
Поёт — Тамара Милашкина
Современное подарочное издание романа в стихах Александра Сергеевича Пушкина «Евгений Онегин»
с иллюстрациями Елены Петровны Самокиш-Судковской
Елена Петровна Самокиш-Судковская, урождённая Бенард — русская художница, работавшая в технике масляной живописи и графики — известный книжный иллюстратор, родилась в 1863-ем году в Санкт-Петербурге в семье военного инженера.
Окончила Павловский институт, два года училась в рисовальной школе в Гельсингфорсе и брала частные уроки у Василия Петровича Верещагина.
В 1885-ом году уехала в Париж, где училась в частной академии Жюля Бастьен-Лепажа.
В 1889-ом году вышла замуж за художника Николая Семёновича Самокиша и взяла двойную фамилию Самокиш-Судковская. (Судковская — фамилия по первому мужу Елены Петровны, художнику-маринисту Судковскому Руфину Гавриловичу (1850-1885)).
Супруги часто работали вместе, так они оба участвовали в подготовке иллюстрированного издания «Мёртвых душ» Гоголя (типография А. Ф. Маркса, 1901). В одном из залов Витебского вокзала (первоначальное название — Царскосельский), возведённого в 1901-1904 годах, стены украшены панно Николая Семёновича Самокиша и Елены Петровны Самокиш-Судковской, посвящёнными истории Царскосельской железной дороги.
Художница много иллюстрировала Александра Сергеевича Пушкина. Очень известны и её иллюстрации к сказке Ершова «Конёк-горбунок».
В 1896-ом году за рисунки для «Коронационного сборника» получила Высочайшую награду и медаль на голубой ленте.
Умерла Елена Петровна в эмиграции, в Париже, в 1924-ом году, хотя некоторые источники утверждают, что это случилось в Выборге.
Слева приведена обложка книги «Евгений Онегин», иллюстрированной Еленой Петровной Самокиш-Судковской, которая была издана в 1911-ом году. Художницу часто упрекали за нарочитую красивость её иллюстраций, но сегодня они смотрятся, я думаю, более органично, чем в начале XX-го века, так как для нас это время уже тоже очень далеко, хоть и не так, как эпоха Пушкина и героев его романа в стихах «Евгений Онегин».
«Скажи мне, князь, не знаешь ты,
Кто там в малиновом берете
С послом испанским говорит?»
Князь на Онегина глядит.
— Ага! давно ж ты не был в свете.
Постой, тебя представлю я. —
«Да кто ж она?» — Жена моя. —
«Так ты женат! не знал я ране!
Давно ли?» — Около двух лет. —
«На ком?» — На Лариной. — «Татьяне!»
— Ты ей знаком? — «Я им сосед».
Пётр Ильич Чайковский — ария князя Гремина из 3-го действия оперы «Евгений Онегин»
Поёт — Иван Петров
Есть своя пушкиниана и у современного российского художника Дмитрия Белюкина. Иллюстрации к роману «Евгений Онегин» занимают в ней почётное место.
Александр Сергеевич Пушкин сделал себя автором-рассказчиком в своём произведении, а потому и сам стал полноправным героем «Евгения Онегина».
Онегин, добрый мой приятель,
Родился на брегах Невы,
Где, может быть, родились вы
Или блистали, мой читатель;
Там некогда гулял и я:
Но вреден север для меня.
Белюкин Дмитрий Анатолиевич — российский художник, народный художник Российской Федерации, член-корреспондент Российской академии художеств, родился в 1962-ом году ву семье известного художника — книжного иллюстратора Анатолия Ивановича Белюкина.
1980 — закончил Московскую среднюю художественную школу имени Сурикова и поступил в Московский государственный художественный институт имени Василия Ивановича Сурикова на факультет живописи в класс профессора Ильи Сергеевича Глазунова.
1986 — окончил институт, дипломная работа называлась «Смерть Пушкина».
1986-1987 — проходил действительную службу в Советской Армии.
1987-1988 — работал в Комбинате живописного искусства Художественного фонда РСФСР.
С 1988 года — член Союза художников России и Московского Союза художников.
С 1999 года и по настоящее время работает в Студии военных художников имени Митрофана Борисовича
Грекова.
2009 — удостоен премии Фонда Святого Всехвального апостола Андрея Первозванного «За веру и верность» и Национальной премии «Человек года — 2009».
Художник постоянно выставляет свои картины на выставках.
Ах! долго я забыть не мог
Две ножки… Грустный, охладелый,
Я всё их помню, и во сне
Они тревожат сердце мне.
…
Но полно прославлять надменных
Болтливой лирою своей;
Они не стоят ни страстей,
Ни песен, ими вдохновенных:
Слова и взор волшебниц сих
Обманчивы… как ножки их.
Итак, она звалась Татьяной.
Ни красотой сестры своей,
Ни свежестью ее румяной
Не привлекла б она очей.
Дика, печальна, молчалива,
Как лань лесная боязлива,
Она в семье своей родной
Казалась девочкой чужой.
Она ласкаться не умела
К отцу, ни к матери своей;
Дитя сама, в толпе детей
Играть и прыгать не хотела
И часто целый день одна
Сидела молча у окна.
И ныне музу я впервые
На светский раут привожу;
На прелести ее степные
С ревнивой робостью гляжу.
Сквозь тесный ряд аристократов,
Военных франтов, дипломатов
И гордых дам она скользит;
Вот села тихо и глядит,
Любуясь шумной теснотою,
Мельканьем платьев и речей,
Явленьем медленным гостей
Перед хозяйкой молодою,
И темной рамою мужчин
Вкруг дам, как около картин.
Полонез из 3-го действия оперы Петра Ильича Чайковского «Евгений Онегин»
Полонез (в переводе с польского — «польский танец». Под таким названием танец и существовал в России) — торжественный танец-шествие в умеренном темпе, рамер танца — 3/4. Исполнялся, как правило, в начале балов, подчёркивая торжественный характер праздника.
В России полонез был известен еще в допетровское время, однако само слово «полонез» в русскоязычной литературе до начала XIX века не встречается.
Однообразный и безумный,
Как вихорь жизни молодой,
Кружится вальса вихорь шумный;
Чета мелькает за четой.
Вальс из 2-го действия оперы Петра Ильича Чайковского «Евгений Онегин»
… Полна народу зала;
Музыка уж греметь устала;
Толпа мазуркой занята;
Кругом и шум и теснота;
Бренчат кавалергарда шпоры;
Летают ножки милых дам;
По их пленительным следам
Летают пламенные взоры,
И ревом скрыпок заглушен
Ревнивый шепот модных жен.
…
Там теснота, волненье, жар,
Музыки грохот, свеч блистанье,
Мельканье, вихорь быстрых пар,
Красавиц легкие уборы,
Людьми пестреющие хоры,
Невест обширный полукруг,
Всё чувства поражает вдруг.
Здесь кажут франты записные
Свое нахальство, свой жилет
И невнимательный лорнет.
Сюда гусары отпускные
Спешат явиться, прогреметь,
Блеснуть, пленить и улететь.
Мазурка раздалась. Бывало,
Когда гремел мазурки гром,
В огромной зале всё дрожало,
Паркет трещал под каблуком,
Тряслися, дребезжали рамы;
Теперь не то: и мы, как дамы,
Скользим по лаковым доскам.
Но в городах, по деревням
Еще мазурка сохранила
Первоначальные красы:
Припрыжки, каблуки, усы
Всё те же; их не изменила
Лихая мода, наш тиран,
Недуг новейших россиян.
Мазурка из 2-го действия оперы Петра Ильича Чайковского «Евгений Онегин»
Мазурка — польский народный танец. Название — производное от слова мазуры — жители Мазовии — исторической области Польши, где впервые появился этот танец. Музыкальный размер танца 3/4 или 3/8, темп быстрый. Для этого танца характерны частые резкие акценты, смещающиеся на вторую, а иногда и на третью долю такта.
В XIX веке мазурка получила распространение в странах Европы как бальный танец.
Экосез из 3-го действия оперы Петра Ильича Чайковского «Евгений Онегин»
Экосез (в переводе с французского «шотландка») — старинный шотландский народный танец. Изначально имел музыкальный размер 3/4, как и вальс.
Сначала во Франции, а позднее и по всей Европе танец распространился под общим названием «англез». Со временем стал весёлым бальным парно-групповым танцем быстрого темпа, в двудольном размере.
Все иллюстрации Дмитрия Белюкина к роману в стихах Александра Сергеевича Пушкина «Евгений Онегин» можно увидеть на персональном сайте художника.
Илья Ефимович Репин (1844-1930) не нуждается в специальных рекомендациях, во всяком случае в этом сюжете. У него есть только одна работа на тему пушкинского «Евгения Онегина», но она запечатлела самый драматический эпизод романа: дуэль Онегина и Ленского.
Илья Ефимович Репин (1844-1930) — Дуэль Евгения Онегина и Владимира Ленского — иллюстрация к роману в стихах А.С. Пушкина «Евгений Онегин» (1899)
Иллюстрация — акварель
Всероссийский музей А. С. Пушкина, Санкт-Петербург
Враги! Давно ли друг от друга
Их жажда крови отвела?
Давно ль они часы досуга,
Трапезу, мысли и дела
Делили дружно? Ныне злобно,
Врагам наследственным подобно,
Как в страшном, непонятном сне,
Они друг другу в тишине
Готовят гибель хладнокровно…
Не засмеяться ль им, пока
Не обагрилась их рука,
Не разойтиться ль полюбовно?..
Но дико светская вражда
Боится ложного стыда.
Сцена дуэли: ария Ленского и дуэт Онегина и Ленского из 2-го действия оперы Петра Ильича Чайковского «Евгений Онегин»
Ленский — Сергей Лемешев
Онегин — Евгений Белов
Зарецкий — Игорь Михайлов
Замечательные иллюстрации к «Евгению Онегину» создала известная советская художница-график Лидия Яковлевна Тимошенко, у которой есть два цикла иллюстраций к пушкинскому шедевру. У неё мы можем встретить и самого Пушкина в те моменты, когда он отступает от основной линии романа и пускается в размышления о творчестве и жизни вообще.
Но я плоды моих мечтаний
И гармонических затей
Читаю только старой няне,
Подруге юности моей,
Да после скучного обеда
Ко мне забредшего соседа,
Поймав нежданно за полу,
Душу трагедией в углу,
Или (но это кроме шуток),
Тоской и рифмами томим,
Бродя над озером моим,
Пугаю стадо диких уток:
Вняв пенью сладкозвучных строф,
Они слетают с берегов.
Тимошенко Лидия Яковлевна — советский график и живописец, родилась в 1903-ем году в Санкт-Петербурге.
1918 — окончила Петроградскую гимназию.
1923–1928 — училась в Государственно-промышленном техникуме.
1928 — вступила в творческое объединение «Круг художников».
1932–1935 — продолжила образование в аспирантуре Всероссийской Академии художеств — была ученицей Константина Фёдоровича Юона.
1951–1959 и 1960–1967 — создала циклы иллюстраций к роману Александра Сергеевича Пушкина «Евгений Онегин».
1947 — первая персональная выставка в Московском отделении Союза советских художников.
1961 — состоялась вторая персональная выставка в залах Московского отделения Союза советских художников, которая принесла художнице известность.
Умерла художница в 1976 году а Москве.
Произведения Тимошенко находятся во многих музейных собраниях России, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, а также в областных музеях.
«Меня считают мужественной, деятельной женщиной, но с какой беспредельной тоской и отчаянием я ношу эту маску.»
Лидия Яковлевна Тимошенко — Дневники (1961)
Они сошлись. Волна и камень,
Стихи и проза, лед и пламень
Не столь различны меж собой.
Сперва взаимной разнотой
Они друг другу были скучны;
Потом понравились; потом
Съезжались каждый день верхом
И скоро стали неразлучны.
Так люди (первый каюсь я)
От делать нечего друзья.
…
Он слушал Ленского с улыбкой.
Поэта пылкий разговор,
И ум, еще в сужденьях зыбкой,
И вечно вдохновенный взор, —
Онегину всё было ново;
Он охладительное слово
В устах старался удержать
И думал: глупо мне мешать
Его минутному блаженству;
И без меня пора придет,
Пускай покамест он живет
Да верит мира совершенству;
Простим горячке юных лет
И юный жар и юный бред.
Минуты две они молчали,
Но к ней Онегин подошел
И молвил: «Вы ко мне писали,
Не отпирайтесь. Я прочел
Души доверчивой признанья,
Любви невинной излиянья;
Мне ваша искренность мила;
Она в волненье привела
Давно умолкнувшие чувства;
Но вас хвалить я не хочу;
Я за нее вам отплачу
Признаньем также без искусства;
Примите исповедь мою:
Себя на суд вам отдаю».
Ария Онегина из 1-го действия оперы Петра Ильича Чайковского «Евгений Онегин»
 Поёт — Дмитрий Хворостовский
Обратите внимание на два последних рисунка в бегущей строке. Они относятся ко второму циклу иллюстраций «Евгения Онегина» и отличаются большей графичностью и контрастностью. Такой чёткий абрис фигур, но, если присмотреться, то Татьяна второго цикла практически повторяет позу той Татьяны, которую мы видим на рисунке ниже вместе с Онегиным (из первого цикла иллюстраций) в заключительной сцене романа.
В тоске безумных сожалений
К ее ногам упал Евгений;
Она вздрогнула и молчит;
И на Онегина глядит
Без удивления, без гнева…
Его больной, угасший взор,
Молящий вид, немой укор,
Ей внятно все. Простая дева,
С мечтами, сердцем прежних дней,
Теперь опять воскресла в ней.
Она его не подымает
И, не сводя с него очей,
От жадных уст не отымает
Бесчувственной руки своей…
О чем теперь ее мечтанье?
Проходит долгое молчанье,
И тихо наконец она:
«Довольно; встаньте. Я должна
Вам объясниться откровенно.
Онегин, помните ль тот час,
Когда в саду, в аллее нас
Судьба свела, и так смиренно
Урок ваш выслушала я?
Сегодня очередь моя.
Заключительная сцена оперы Петра Ильича Чайковского «Евгений Онегин»
Поют:
Татьяна — Тамара Милашкина
Евгений Онегин — Юрий Мазурок
Современное подарочное издание романа в стихах Александра Сергеевича Пушкина «Евгений Онегин»
Иллюстрации художницы Елены Петровны Самокиш-Судковской
ВТОРАЯ ЧАСТЬ СЮЖЕТА
§
«Ужель та самая Татьяна?» — сцена из фильма-оперы «Евгений Онегин»
В роли Татьяны — Ариадна Шенгелая
Ариозо Онегина из оперы «Евгений Онегин»
Поёт — Муслим Магомаев
Чайковский Пётр Ильич, родился 25 апреля (7 мая) 1840 года в городе Воткинске ( Вятская губерния) — великий русский композитор, дирижёр, педагог, музыкально-общественный деятель, музыкальный журналист.
Пётр Ильич был сыном известного русского горного инженера Ильи Петровича Чайковского.
В 1850 году родители отправили Петю в Санкт-Петербург учиться в Императорском училище правоведения.
С 1852 года Чайковский начинает серьёзно заниматься музыкой.
Окончив училище в 1859 году, Чайковский получил чин титулярного советника и начал работать в Министерстве юстиции.
В 1861 году поступил в Музыкальные классы Русского музыкального общества (РМО), а после преобразования их в 1862 году в Петербургскую консерваторию стал одним из первых её студентов по классу композиции.
Его учителями в консерватории были Николай Иванович Заремба (теория музыки) и Антон Григорьевич Рубинштейн (оркестровка). По настоянию последнего он бросил службу и целиком отдался музыке.
В 1865 году окончил курс консерватории с большой серебряной медалью, написав кантату на оду Шиллера «К радости».
По окончании консерватории, по приглашению Николая Рубинштейна, переехал в Москву, где получил место профессора классов свободного сочинения, гармонии, теории и инструментовки в только что основанной консерватории.
В 1868 году впервые выступил в печати как музыкальный критик и познакомился с группой петербургских композиторов — членов «Могучей кучки».
С 1872 по 1876 год работал музыкальным критиком в газете «Русские ведомости», имевшей репутацию лево-либерального органа печати.
В 1878 году оставил пост в Московской консерватории и уехал за границу. Моральную и материальную поддержку ему в этот период оказала Надежда фон Мекк, с которой Чайковский в 1876-1890 вёл обширную переписку, но никогда не встречался.
В середине 1880-х Чайковский возвращается к активной музыкально-общественной деятельности.
В 1885 его избирают директором Московского отделения РМО.
С конца 1880-х годов выступал как дирижёр в России и за рубежом.
Концертные поездки укрепили творческие и дружеские связи Чайковского с западноевропейскими музыкантами, среди которых — Ганс фон Бюлов, Эдвард Григ, Антонин Дворжак, Густав Малер, Артур Никиш, Камиль Сен-Санс и другие.
Весной 1891 года Пётр Ильич Чайковский совершает поездку в США.
В качестве дирижёра своих произведений с сенсационным успехом он выступил в Нью-Йорке, Балтиморе и Филадельфии (подробное описание этого путешествия сохранилось в дневниках композитора).
В Нью-Йорке он выступал в только что открытом Карнеги-холл, где дирижировал Нью-йоркским симфоническим оркестром.
Последние годы своей жизни композитор провёл в Клину, Московской области, где сейчас находится его мемориальный музей.
В последний раз в жизни Чайковский встал за дирижёрский пульт в Петербурге за девять дней до своей кончины — 16 октября (29 октября по новому стилю) 1893 года.
Умер Пётр Ильич Чайковский 25 октября (6 ноября по новому стилю) 1893 года от холеры «неожиданно и безвременно» в квартире своего брата Модеста, в доме 13 на Малой Морской.
На отпевании стены собора не могли вместить всех, желавших помолиться за упокой души Петра Ильича. Похоронен Чайковский в Петербурге, в Александро-Невской лавре в Некрополе мастеров искусств.
Здесь представлен портрет Петра Ильича Чайковского (1893) кисти Николая Дмитриевича Кузнецова (1850-1929). Это последний прижизненный портрет композитора.
Евгений Онегин (1877-1878) — знаменитая опера Петра Ильича Чайковского, в основу либретто которой положен одноимённый роман в стихах Александра Сергеевича Пушкина.
Для меня эта опера не просто знаменитая, но и одна из самых любимых.
В мае 1877 года певица Елизавета Андреевна Лавровская предложила композитору написать оперу на сюжет пушкинского «Евгения Онегина». Вскоре Чайковский увлекся этим предложением — он за одну ночь написал сценарий и принялся за музыку.
Опера написана в период с мая 1877 года (Москва) по февраль 1878 года (Сан-Ремо).
Композитор работал над ней также и в Каменке (районный центр Черкасской области — Украина), в которой часто бывал. Здесь же в своё время часто бывал и Пушкин, который упоминает Каменку в десятой главе «Евгения Онегина».
Первая постановка оперы состоялась 17 (29) марта 1879 на сцене Малого театра силами учащихся Московской консерватории. Дирижировал Николай Григорьевич Рубинштейн.
Премьера в московском Большом театре состоялась 11 (23) января 1881года.
Постановка в Мариинском театре осуществлена 19 (31) октября 1884 годаю. Дирижировал Эдуард Францевич Направник.
В 1895 года — вторая постановка на сцене Большого театра. Дирижировал Сергей Васильевич Рахманинов.
Первая зарубежная постановка оперы была осуществлена в Праге 6(18) декабря 1888 года, дирижировал сам Пётр Ильич Чайковский.
19 (31) января 1892 — постановка в Гамбургской опере. Дирижировал Густав Малер.
Опера была изначально задумана как камерная, но позже специально для постановок на сцене Императорской оперы Чайковский создал новую редакцию.
Уже в советское время первоначальный вариант, «лирические сцены», был воссоздан усилиями Константина Сергеевича Станиславского.
В настоящее время используются обе редакции оперы.
Лавровская Елизавета Андреевна (по мужу княгиня Цертелева) родилась в 1845 году, по другим данным в 1849 году, в Кашине Тверской губернии, — российская певица-контральто, педагог.
1861-1864 — обучалась в московском Елизаветинском институте, затем окончила Петербургскую консерваторию.
Гастролировала в Европе, где совершенствовалась в мастерстве пения у Полины Виардо.
Пела в петербургском Мариинском театре.
1890-1891 — пела в московском Большом театре.
Выступала и как камерная певица, была первой исполнительницей ряда романсов, которые ей посвятили: Аренский, Рахманинов, Танеев и другие композиторы.
15 мая 1883 в Грановитой палате Кремля исполняла сольную партию во время премьеры кантаты «Москва» Петра Ильича Чайковского.
Чайковский посвятил Лавровской 6 романсов и вокальный квартет «Ночь».
В 1888 году по предложению Чайковского Лавровская была приглашена на должность профессора Московской
консерватории, где преподавала до 1919 года, воспитав плеяду крупных исполнителей.
Лавровская была дружна с Иваном Сергеевичем Тургеневым и Фёдором Михайловичем Достоевским.
Умерла Елизавета Андреевна в 1919 году в Москве.
Портрет Е.А.Лавровской на сцене
кисти Ивана Николаевича Крамского
Без преувеличения можно сказать, что оперу Петра Ильича Чайковского «Евгений Онегин» ставят во всех оперных театрах мира. Разные театры — разная сценография. Интересное оформления этой оперы, на мой взгляд, нашли в Казани: действие спектакля разворачивается на фоне репринтов пушкинских рукописей.
Сцена из оперы «Евгений Онегин» — бал в доме Лариных в постановке Казанского театра оперы и балета имени Мусы Джалиля 2021 года
Художник-постановщик — Игорь Гриневич
Фильм-опера, снятый в 1958 году, «Евгений Онегин»
Онегин — Евгений Кибкало
Татьяна — Галина Вишневская
В советское время снимали много фильмов-опер из русской классики. От оперных спектаклей, снятых на плёнку, эти фильмы отличались тем, что роли в них исполняли драматические актёры, а оперные партии пели профессиональные оперные исполнители.
Очень люблю этот фильм за классическую интерпретацию Чайковского: никаких тебе новомодных изысков в оформлении и постановке. Прекрасные голоса и замечательные драматические актёры. Если кто-то ещё не видел этот фильм, то посмотреть его нужно непременно.
Евгений Гаврилович Кибкало родился 12 февраля 1932 в Киеве — советский и российский оперный певец-баритон и музыкальный педагог.
1956 — окончил Московскую консерваторию.
С 1956 года солист Большого театра. Певческое обучение начинал как бас, так как голос позволял свободно брать нижние, чисто басовые ноты в контр-октаве.
1963 — Стажировался в театре «Ла Скала» .
1970 — Народный артист РСФСР.
По словам специалистов голос Кибкало — уникальный по красоте, насыщенности и благородству тембра, изяществу звукоизвлечения и кантилене. Его голос может считаться эталонным по баритоновому звучанию, с идеально выровненным тембром и сглаженными голосовыми регистрами.
Систематическое перенапряжение певческого аппарата привело к хроническому кровоизлиянию в голосовые складки, несмыканию и формированию певческого узелка.
В 1976 году после неудачного оперативного вмешательства Кибкало был вынужден оставить сцену и сосредоточиться на педагогической деятельности.
С 1979 года и до последних дней жизни преподавал в Московской консерватории.
Умер Евгений Гаврилович 12 февраля 2003 года в Москве.
Галина Павловна Иванова (Вишневская — фамилия по первому мужу) родилась 25 октября 1926 в Ленинграде — советская певица — лирико-драматическре сопрано.
Почти всё детство провела в Кронштадте. Во время блокады в годы Великой Отечественной войны находилась в Ленинграде.
1944 — поступила в хор Ленинградского областного театра оперетты.
1951-1952 — Вишневская брала уроки пения, чередуя занятия классическим вокалом с выступлениями в качестве эстрадной певицы.
1952 — приняла участие в конкурсе в стажерскую группу Большого театра, была принята, несмотря на отсутствие консерваторского образования, и вскоре, по образному выражению Бориса Александровича Покровского, тогда главного режиссёра Большого театра, стала «козырной картой в колоде Большого театра», ведущей солисткой главного оперного театра страны, где исполнила более чем 30 партий, среди, которых и Татьяна в «Евгении Онегине» Чайковского..
1962 — дебютировала в лондонском театре «Ковент-Гарден» в партии Аиды в одноимённой опере Верди. Выступала в «Метрополитен-Опера», Нью-Йорк, в операх «Тоска» и «Мадам Баттерфляй» Джакомо Пуччини.
1966 — снялась в заглавной роли в фильме-опере «Катерина Измайлова» Дмитрия Дмитриевича Шостаковича.
Была первой исполнительницей ряда посвященных ей сочинений Шостаковича, Бенджамина Бриттена и других выдающихся современных композиторов. Под впечатлением от прослушивания её записи написано стихотворение Анны Ахматовой «Женский голос».
Вишневская стала одной из первых советских оперных певиц, которые добились признания на мировой оперной сцене (на компакт-дисках издана трансляционная запись спектакля 1964 года театра «Ла Скала», «Турандот», Джакомо Пуччини, где она выступила вместе с Франко Корелли и Биргит Нильсон, которая зафиксировала её триумфальный успех в партии Лиу).
1974 — вместе со своим третьим мужем Мстиславом Ростроповичем уехала на длительные гастроли за рубеж и осталась за границей. Проживала в США, во Франции, выступала в крупнейших театрах мира до 1982 года, в качестве режиссёра занималась постановкой оперных спектаклей.
1990 — Галина Павловна Вишневская вернулась в Россию.
Вишневская выступала в качестве драматической актрисы на сцене МХАТ (роль Екатерины Второй в пьесе Елены Греминой «За зеркалом»), сыграла главные роли в кинофильмах «Провинциальный бенефис» (1993), и «Александра» (2007).
С 2002 года — руководитель «Центра оперного пения Галины Вишневской» в Москве.
Умерла певица в 2021 году в Москве.
Галина Вишневская
в роли Татьяны Лариной
Мстислав Валерианович Добужинский (1875-1957) — эскиз декораций к опере Петра Ильича Чайковского «Евгений Онегин»
Мстислав Добужинский — русский художник, мастер городского пейзажа, участник творческого объединения «Мир искусства», художественный критик, мемуарист.
Работал в области станковой и книжной графики (оформлял журналы «Мир искусства», «Золотое руно», «Аполлон»). Писал исторические картины («Пётр Великий в Голландии»). Оформлял театральные спектакли Московского художественного театра: «Месяц в деревне» Ивана Cергеевича Тургенева (1909), «Николай Ставрогин» по роману Фёдора Михайловича Достоевского «Бесы» (1913); оформлял антрепризы Сергея Дягилева.
Предлагаю совершить культпоход в один из самых известных оперных театров мира — в нью-йоркскую Метрополитен-оперу.
У меня в коллекции есть спектакли нескольких разных театров, а этот я выбрала исключительно из-за того, что очень уж хорош ансамль исполнителей. Но сценография… Это как раз тот случай, который подпадает под русскую поговорку «простота хуже воровства». Декораций никаких, пол в сценах первого действия завален то ли пожухлыми листьями, то ли битой кукурузой — даже в спальне Татьяны.
Короче, на декорациях ребята сэкономили. Отдельный разговор о костюмах: мало того, что все они из разных исторических эпох, «радует» и цветовое решение. Так на балу петербургского вельможи в третьем действии все поголовно, включая дам, в чёрном. Просто какое-то траурное мероприятие. А где пресловутый малиновый берет Татьяны? Берета нет ни малинового, ни даже чёрного. Поиздевалась над этим обстоятельством с задорновской приговоркой : «Ну, они и тупые!», рассказывая мужу свои впечатления от просмотра американского спектакля. Он же по простоте душевной предположил, что в переводе на английский берет не попал в рифму, а потому его и нет. Да не тут то было! В Метрополитен-опера считается зазорным исполнять оперы не на языке оригинала.
На том же балу меня при жизни держали негры из хора в мундирах придворных Его Императорского Величества. Я, конечно, понимаю, что в Китае все китайцы и потому и Онегин, и все остальные в китайском спектакле будут с китайскими лицами, но в Америке ведь не все негры, можно было бы, я так думаю, хотя бы на передний план не выставлять такие несвойственные для России лица.
На этом же траурном балу просто до глубины души потрясла пара, танцевавшая экосез: дамочка из этой пары, судя по упитанности выше средней, питается исключительно в Макдональдсе. Так вот скакала она со своим кавалером по сцене и приземлялась с таким звуком, как будто где-то поблизости вбивали сваи. Приблизительно так, как моя соседка сверху, совсем ещё молодая барышня, когда проходит из комнаты в комнату, то создаётся ощущение, что все боевые слоны индийской (слонницы что ли?) проносятся у меня над головой.
Если бы я не знала, что Метрополитен-опера существует на очень щедрые меценатские пожертвования, то могла бы предположить, что в связи с перманентным кризисом в экономике и в платёжном балансе, тогда ещё администрация Буша-юниора, отказала в надлежащем финансировании этому уважаемому театру. Потому и вынуждены они были отказаться от декораций, а костюмы выкрасить в чёрный цвет, дабы ветхость их не была столь заметной.
И всё же, друзья мои, несмотря на всё выше сказанное, посмотреть, а, главное, прослушать этот спектакль стоит. Ведь в опере всё же самое главное — это музыка и исполнительское мастерство певцов.
Ремарка. Одно любопытное происшествие, предшествовавшее началу нынешнего театрального сезона в Метрополитен-опера, которое некоторым образом примирило меня с их любовью к новаторству.
Метрополитен-Опера — Нью-Йорк
Спектакль Метрополитен-Опера 2007 года
Оркестр театра Метрополитен-Опера — за дирижёрским пультом Валерий Гергиев
Онегин — Дмитрий Хворостовский
Татьяна — Рене Флеминг
Ленский — Рамон Варгас
Ольга — Елена Заремба
Гремин — Сергей Алексашкин
Валерий Абисалович Гергиев родился 2 мая 1953 в Москве — российский дирижёр, осетин по национальности.
Вырос Валерий Абисалович в Орджоникидзе (Владикавказ), в Северной Осетии, где учился в музыкальном училище по классам фортепиано и дирижирования.
1972 — поступил в Ленинградскую консерваторию в класс дирижирования Ильи Мусина, и ещё будучи студентом, завоевал вторую премию на престижном международном конкурсе дирижёров Герберта фон Караяна в Берлине и одержал победу на Всесоюзном конкурсе дирижёров в Москве.
1977 — после окончания консерватории Гергиев был принят в Кировский театр в качестве ассистента главного дирижёра (главным дирижёром тогда был Юрий Темирканов), и уже в 1978 впервые встал за пульт, продирижировав оперой Прокофьева «Война и мир».
С 1981 по 1985 Гергиев руководил Государственным оркестром Армении, а в 1988, после ухода Темирканова в оркестр Ленинградской филармонии, стал главным дирижёром Кировского театра.
С начала 1990-х годов дирижёр часто выступает за границей.
В 1992 состоялся дебют Гергиева в Метрополитен-опера в опере Верди «Отелло», в дальнейшем он неоднократно выступал там как приглашённый дирижёр.
1995 — 2008 — занимал место главного приглашённого дирижёра Роттердамского филармонического оркестра.
С 1 января 2007 — главный дирижёр Лондонского симфонического оркестра.
21 августа 2008 года Валерий Гергиев с оркестром Мариинского театра выступил в Цхинвале с концертом на заполненной до отказа площади в центре города в память жертв среди мирного населения.
Валерий Абисалович Народный артист России — 1996 год. Он лауреат многих отечественных и зарубежных премий в области музыки и музыкального искусства.
Гергиев кавалер многочисленных отечественных и зарубежных орденов, среди которых такие известные: орден Почётного легиона (Франция) и орден за заслуги перед Итальянской республикой (Италия).
Он почётный гражданин многих российских и зарубежных городов и, конечно же, почётный гражданин Санкт-Петербурга и Владикавказа.
Валерий Гергиев один из лучших дирижёров своего времени и лучших художественных руководителей Мариинского театра в Санкт-Петербурге.
Дмитрий Александрович Хворостовский родился в 1962 году в Красноярске — советский и российский оперный певец-баритон.
Отец Дмитрия, Александр Степанович, инженер-химик по специальности любил петь и музицировал на фортепиано, кроме того он собрал большую коллекцию записей звёзд мировой оперной сцены.
Дмитрий Хворостовский окончил Красноярское педагогическое училище имени Горького и Красноярский институт искусств по классу заслуженного деятеля искусств РФ профессора Екатерины Иофель.
1985-1990 — солист Красноярского государственного театра оперы и балета.
Победитель международного конкурса певцов в Кардиффе, Великобритания, 1989 год.
С 1990 года имеет ангажементы в лучших оперных театрах мира: Ковент Гарден (Лондон), Баварской государственной Опере, Мюнхенской государственной Опере, Берлинской государственной Опере, миланском театре Ла Скала, Венской государственной опере, Театро Колон (Буэнос-Айрес), Метрополитен Опера (Нью-Йорк), Чикагской лирической опере, Мариинском театре Санкт-Петербурга, московском театре «Новая Опера», оперной сцене Зальцбургского фестиваля.
Дмитрий Хворостовский народный артист России (1995), Лауреат Государственной премии РСФСР в области музыкального искусства (1991) — за исполнение ведущих партий классического оперного репертуара в Красноярском ГТОБ в период 1988-1990 годов, почётный гражданин города Красноярска и Кемеровской области.
У Хворостовского обширная дискография, которая включает в себя практически весь баритоновый репертуар.
Рене Флеминг родилась 14 февраля 1959 года в штате Индиана, Пенсильвания, США, — американская оперная певица, которую называют «золотым стандартом сопрано», «лицом сегодняшней Америки в области классического вокала» и «одной из немногих истинных суперзвезд нашего времени».
Родилась в семье музыкантов, преподавателей вокала. Училась в Истменовской школе музыки у Джен Де Гаэтани, затем в Джульярдской школе у Беверли Пек.
Дебютировала в 1986 году в партии Констанцы в опере «Похищение из сераля» Моцарта.
С 1988 года солистка «Ковент Гарден», Лондон.
С 1991 года — солистка Метрополитен-Оперы. Помимо этого регулярно выступает в самых разных театрах мира.
Международная карьера Рене Флеминг началась в 1996 году записью на диск оперы Моцарта «Так поступают все».
Рене Флеминг принимала участие во множестве музыкальных фестивалей, в том числе в Моцарт-фестивале в Линкольн-центре (США), международном фестивале в Сантандере (Испания), фестивале в Люцерне (Швейцария), фестивале «Дворцы Петербурга» (Россия).
Рене Флеминг лауреат многих престижных музыкальных премий. Она кавалерственная дама многих орденов, среди которых Орден Почётного легиона и Орден искусств и литературы (Франция). У неё обширная дискография, в которой присутствуют оперные партии всего репертуара сопрано.
Рене Флеминг посвящены духи La Voce и десерт известного нью-йоркского шеф-повара Даниэля Булю La Diva Renee.
Рамон Варгас родился 11 сентября 1960 года в Мехико — мексиканский певец-тенор.
С девяти лет пел в хоре мальчиков Базилики Богоматери Гуадалупе в Мехико.
Получил педагогическое образование, однако затем всё же посвятил себя музыке и в 1982 году выиграл Национальный конкурс вокалистов имени Карло Морелли.
В том же году дебютировал в опере Йозефа Гайдна «Аптекарь».
В 1986 году победил на конкурсе теноров имени Энрико Карузо в Милане, после чего Варгас начал выступать на сцене Венской государственной оперы.
1988-1990 — солист Люцернской оперы.
В 1992 г. впервые вышел на сцену Метрополитен-Опера, заменив Лучано Паваротти.
Одно из значительных событий в биографии Варгаса — выступление в «Реквиеме» Джузеппе Верди в Милане в день столетия со дня смерти композитора, 27 января 2001 года.
В дискографии Варгаса — участие в полных записях опер Россини «Севильский цирюльник», Доницетти «Фаворитка», Беллини «Капулетти и Монтекки», Верди «Фальстаф», Массне «Вертер».
Елена Арнольдовна Заремба родилась в Москве в 1963 году — российская певица — меццо-сопрано, контральто.
Закончила школу в Новосибирске. Училась в Музыкальном училище имени Гнесиных на эстрадно-джазовом отделеним, в Российской академии музыки имени Гнесиных на вокальном отделении.
Будучи студенткой 5 курса, стала солисткой Большого театра, где пела в 1984-1992 годах.
Опера «Жизнь за царя», представленная в 1989 году на гастролях Большого театра в миланском театре Ла Скала, гле Елена Заремба исполняла роль Вани, была высоко оценена итальянской критикой. С этого момента певица получила международное признание.
После ухода из Большого театра в 1992 году выступает в крупнейших театрах мира: Ковент-Гарден, Ла-Скала, Метрополитен-опера, Гамбургская государственная опера, Опера Бастий, Опера Бильбао, Баварская государственная опера.
Заремба участвует в многочисленных аудио- и видеозаписях опер: «Ночь перед Рождеством» Римского-Корсакова — Солоха, 1990 год; «Князь Игорь» Бородина — Кончаковна, 1990 год; «Жизнь за царя» Глинки — Ваня, 1992 год; «Леди Макбет Мценского уезда» Шостаковича — Сонетка, 1993 год; «Золото Рейна» Вагнера — Эрда, 1995 год; «Бал-маскарад» Верди — Ульрики, 1996 год; «Трубадур» Верди — Азучена; «Евгений Онегин» Чайковского — Ольга. Принимала также участие в записях «Торжественной мессы» Бетховена и киномузыки Шостаковича.
Сергей Николаевич Алексашкин родился родился 20 февраля 1952 года в селе Квасниковка Саратовской области — российский певец — бас.
В 1982 году окончил Саратовскую государственную консерваторию имени Леонида Собинова, работал в Саратовском академическом театре оперы и балета имени Чернышевского.
1983 — 1984 — проходил стажировку в миланском театре Ла Скала.
С 1989 года — солист Мариинского театра.
В качестве приглашенного солиста выступал на крупнейших оперных сценах мира, таких как Ла Скала (Милан), Королевский оперный театр Ковент-Гарден (Лондон), Метрополитен-Опера (Нью-Йорк).
Сергей Алексашкин гастролировал в странах Европы, США, Австралии, Японии, Северной Корее.
В качестве приглашенного солиста певец выступал на сценах Метрополитен-опера (Нью-Йорк), театра Ла Скала (Милан), Королевского оперного театра Ковент Гарден (Лондон), а также Вашингтонского, Римского и Гамбургского оперных театров.
Пел на сценах крупнейших концертных залов Европы, среди которых Концертгебау (Амстердам), концертный зал Академии музыки Санта-Чечилия (Рим), Барбикан-холл, Альберт-холл и Королевский Фестиваль-холл в Лондоне; неоднократно принимал участие в Зальцбургском пасхальном фестивале, фестивалях в Сан-Себастьяно, Баден-Бадене, Миккели и Савонлинне.
Сергей Николаевич Алексашкин народный артист России, Лауреат премии высшей театральной премии «Золотой софит» (2002, 2004, 2008), Лауреат премии «Балтика» (2001).
Дискография Сергея Алексашкина включает CD-записи опер «Пиковая дама», «Иоланта» Чайковского, «Садко» Римского-Корсакова, «Князь Игорь» Бородина, «Огненный ангел», «Обручение в монастыре», Прокофьева, «Сила судьбы» Верди, а также симфоний N13 и N14 Шостаковича.
Александр Яковлевич Головин (1863-1939) — эскиз занавеса к опере Петра Ильича Чайковского «Евгений Онегин» (1925)
Фоном к сюжету звучит увертюра к опере Петра Ильича Чайковского «Евгений Онегин»
ПЕРВАЯ ЧАСТЬ СЮЖЕТА
§
§
§
В каждой стране есть хорошие киноартисты, но всегда есть такие, имена которых запоминаешь, а потом ходишь на все фильмы, в которых они снимались. Именно такими были венгерские артисты театра и кино Ева Рутткаи и Золтан Латинович. Оба они — мои любимые венгерские артисты, причём, когда я узнала, что они к тому же муж и жена, то мне показалось, что это совершенно закономерно, так как лучшее всегда тянется к лучшему.
В этой love story есть и третий участник, но это не классический любовный треугольник, хотя этот третий — Миклош Габор, знаменитый венгерский актёр, был первым мужем Евы Рутткаи. Ева с Миклошем расстались, со слов их дочери Юлии, мирно и остались после развода в хороших отношениях. Юлия жила с отцом, а мать старалась навещать её каждый день.
Впоследствии Юлия Габор написала воспоминания о своих родителях и о любви своей матери и её второго мужа Золтана Латиновича.
Она сказала, что напрасно некоторые родители думают, что отказавшись от карьеры и посвятив свою жизнь только детям, они делают это во благо детей. Родители, которые состоялись в профессии, в моральном плане могут дать своим детям намного больше.
Ева Рутткаи (Ruttkai Éva) — венгерская актриса театра и кино.
Ева Рутткаи (настоящее имя Ева Русс) родилась 31 декабря 1927 года в Будапеште. Она была шестым ребенком в семье, но лишь она и два ее брата Иван и Отто дожили до совершеннолетия. Семья Евы жила очень трудно — детям приходилось подрабатывать, так её братья работали актерами-детьми в театре. Ева тоже стала работать вместе с ними, когда ей было всего три года.
В детстве вместе с братом Иваном она работала в будапештском Театре комедии, а затем в детском театре Артура Лакнера. Там на нее обратил внимание директор Театра комедии и, когда ей исполнилось 16 лет, подписал с ней контракт.
В Театре комедии (с 1951-го по 1961-й год театр носил название Театра Народной армии Венгрии) она проработала до самой своей смерти в 1986 году, за исключением короткого периода с 1948 по 1951 годы, когда она играла в Национальном театре.
В 1950 году она вышла замуж за актера Национального театра Миклоша Габора — известного артиста, ставшего легендой мирового кинематографа. В 1952 году у них родилась дочь Юлия.
В 1960 году на репетиции пьесы Павла Когоута «Такая любовь» в провинциальном городке Мишкольце она познакомилась с выдающимся венгерским актером Золтаном Латиновичем. Эта встреча стала для них обоих судьбоносной. Ева развелась с Миклошем Габором и ушла к Золтану Латиновичу, с которым прожила до его смерти, случившейся в 1976 году. Они много играли вместе и в театре, и в кино. У них были непростые отношения, но это и понятно, ведь у двух сильных творческих личностей всегда присутствует профессиональное соперничество, сглаживать которое помогали только сильные взаимные чувства любви и привязанности друг к другу.
После смерти Золтана Ева поставила его фотографию с подписью в рамке на тумбочке рядом с кроватью, чтобы просыпаясь утром видеть его лицо. Однажды этой фотографии на месте не оказалась — рамка была пуста. Ева очень переживала по этому поводу, ведь в доме бывали только очень близкие люди и кто-то из них украл такую дорогую для неё вещь, а для этого человека она стала просто сувениром.
За свою работу в кино и в театре Ева Рутткаи была награждена многими наградами и премиями, самую престижную из которых — премию имени Лайоша Кошута, она получила в 1960-ом году.
Ева Рутткаи умерла через полгода после своего последнего выхода на сцену. Случилось это 27 сентября 1986 года. Она сильно болела и ей было очень тяжело жить без Золтана.
Похоронена актриса на кладбище Фаркашрет в Будапеште.
Ева Рутткаи сыграла более 50-ти ролей в кино. На сцене театра она тоже переиграла множество ролей, среди которых Наташа Ростова в пьесе «Война и мир» и Анна Каренина в пьесе «Анна Каренина» по одноимённым романам Льва Николаевича Толстого, Жанна д»Арк, роль Джульетты в трагедии Шекспира «Ромео и Джульетта». Роль Ромео в этом спектакле играл Золтан Латинович — это была самая главная их совместная театральная работа. Будучи уже совсем больной, играла Даму — Клэр Цаханасьян в пьесе Фридриха Дюрренмата «Визит дамы».
О киноролях Евы Рутткаи можно прочитать здесь.
Зрительская любовь к замечательной артистке с годами не ослабевает: о ней пишут статьи, в её честь установлены скульптуры в Будапеште, одна из которых запечатлела Еву Рутткаи в образе Анны Карениной (фотография справа).
Наверное, не зря родители дали своей дочери имя Ева, ибо именно такой, как Ева Рутткаи, должна была быть наша прародительница Ева — искрящейся весёлым лукавством, ироничной и бесконечно талантливой, настоящей королевой фей, как назвала Еву Рутткаи в своих воспоминаниях её дочь Юлия Габор.
Ещё одна скульптура Евы Рутткаи, установленная в Будапеште
Ruttkai Éva: Baj történt a nyáron — kuplé
Ева Рутткаи: Беда случилась летом — куплеты
Дези Келлер написал текст песни, которую исполняет незабываемая Ева Рутткаи. А мелодия очень-очень напоминает мелодию детской песенки «В лесу родилась ёлочка».
Еву Рутткаи нельзя назвать красавицей в традиционном понимании этого слова. Но это как раз тот случай, когда обаяние выше красоты, а в сочетании с талантом оно даёт просто непревзойдённый эффект.
История моей глупости (комедия) — Венгрия (1965 )
Режиссёр — Мартон Келети
В главной роли — Ева Рутткаи
В этом фильме есть и политическая сатира, и тонкий психологизм семейных отношений. В фильме, кроме Евы Рутткаи, заняты прекрасные актёры: Иван Дарваш и Маньи Кишш.
«История моей глупости» — фильм, который можно назвать кинобенефисом Евы Рутткаи.
Золтан Латинович (Latinovits Zoltán) — венгерский актёр театра и кино, режиссёр.
Золтан Латинович родился 9 сентября 1931 года в Будапеште в обеспеченной семье — дед Золтана по матери был владельцем гостиниц. Но Золтану досталось уже другое время и он ему вполне соответствовал.
Свою трудовую жизнь Золтан Латинович начинал учеником столяра, потом учился на инженера — диплом инженера строителя получил в 1956-ом году. Он работал по специальности и занимался в художественной самодеятельности — играл в театре. И всё же любовь к театру победила — Золтан выбирает профессиональную артистическую карьеру.
В 1959-1961 годах — Золтан Латинович актёр Национального театра города Мишкольца. Именно здесь, как было сказано ранее, он встретил любовь всей своей жизни — Еву Рутткаи. Она должна была играть в спектакле провинциального театра как приглашённая звезда. Золтан влюбился сразу же. У себя в гримуборной он держал фотографию Евы. И она тоже влюбилась — это было обоюдное и очень сильное чувство, которое стало причиной того, что Ева оставила своего мужа.
В 1962-1966, 1969-1971 годы — Латинович работал в столичном театре «Вигсинхаз», в 1966-1968 годах играл в Будапештском театре «Талия».
С 1971 года — актёр театра Шандора Петефи.
1975 — заслуженный артист Венгрии.
Золтан Латинович снялся в 60 фильмах, снимался у выдающихся режиссёров: Хуана Антонио Бардема, Золтана Фабри, Миклоша Янчо, Андраша Ковача, Феликса Мариашши. Снимался не только в Венгрии, но и в ФРГ, Испании. Кроме того он заявил себя и как театральный режиссёр. Подробнее о киноролях Золтана Латиновича можно прочитать здесь.
Латинович был прекрасным чтецом — постоянно работал на радио и на телевидении.
Золтан Латинович вошёл в историю венгерского кино как один из самых выдающихся актёров XX века — он был кумиром венгерских кинозрителей.
4 июня 1976 года Золтан Латинович трагически погиб под колёсами поезда. Официальная версия случившегося — самоубийство, но Ева Рутткаи, по словам её дочери Юлии Габор, никогда в это не верила.
Показания свидетелей по этому делу разнятся: одни утверждали, что Латинович выбежал перед локомотивом, другие, что он прыгал на ходу в вагон и промахнулся.
Где-то за неделю перед своей гибелью Золтан Латинович вышел из больницы, где почти два месяца лечился от депрессии, что часто случается с творческими людьми. И после этого он принимал антидепрессанты, а их действие притупляет реакцию. Возможно, именно это и стало причиной того, что он не смог запрыгнуть в вагон движущегося поезда, хотя привык это делать с детства.
A HÁROM TESTVÉR — BUJTOR, FRENREISZ, LATINOVITS
Три брата: Буйтор Френрейз, Кароль Френрейз и Золтан Латинович — совместное интервью на телевидении (1966)
Начиная с 4-й минуты этого видео, Золтан Латинович с братьями поют шутливую песенку.
На этой семейной фотографии Золтан Латинович снят с двумя младшими братьями.
Отец Золтана очень рано оставил семью, а мать вторично вышла замуж. В этой второй семье она родила двоих сыновей. Хотя Золтан Латинович был намного старше своих сводных братьев, отношения между ними складывались хорошо — они были очень дружны, да это можно видеть и на фотографии, и в видеофрагменте, приведенном выше.
На фотографии сверху вниз: Золтан Латинович;
Буйтор Френрейз (псевдоним Иштван Буйтор) (1942-2009) — профессиональный спортсмен — чемпион Венгрии по дзю-до, актёр, сценарист и режиссёр;
Кароль Френрейз (1946) — рок-музыкант и композитор.
Фото Хабера — Венгрия (1963)
Режиссёр — Золтан Варкони
В ролях — Золтан Латинович, Ева Рутткаи
В жизни
У Евы и Золтана был очень гостеприимный дом, но родные и друзья знали, что, если окно, выходящее на улицу, распахнуто, то можно подниматься наверх — гостям будут рады, а если окно закрыто, значит в доме буря и нужно поворачивать назад. Такая вот шпионская сигнализация, прямо, как цветок, который не заметил в окне профессор Плейшнер в «Семнадцати мгновениях весны».
«Наши отношения всегда были между раем и адом» — вспоминала Ева Рутткаи — «Но никто не понимал нас лучше, чем мы друг друга.»
Иоганнес Брамс — Венгерский танец N5
Академический симфонический оркестр Самарской государственной филармонии
Дирижёр — Михаил Щербаков
В кино и театре
Ruttkai Éva & Latinovits Zoltán — Hol van az a nyár
Ева Рутткаи и Золтан Латинович — Где то лето?
Собственно песня начинается с 1 мин. 04 сек. этого видео.
Перевод песни
Куда ушло то лето?
Где любовь та прежняя?
Куда ушло то лето?
Промелькнуло в сердце.
Куда исчез огонь,
Что толкал в объятья нас?
Где теперь та страсть?
В сердце траур ведь у нас!
Куда ушло то лето?
Где любовь та прежняя?
Ах, как далеко оно!
Печаль вселилась в сердце.
Близится зима
И осыпается листва.
Где уже то лето?
Мелькнув, исчезло.
Сердце моё воспоминаний полно,
Множество картин пожелтели давно
Горячий май, лето горячее —
Засушены уже цветы увядшие.
Куда ушло то лето?
Где любовь та прежняя?
Куда ушло то лето?
Промелькнуло в сердце.
Куда исчез огонь,
Что толкал в объятья нас?
Где теперь та страсть?
В сердце траур ведь у нас!
Куда ушло то лето?
Где любовь та прежняя?
Ах, как далеко оно!
Печаль вселилась в сердце.
За перевод текста песни огромное спасибо моему другу Иштвану Ковачу — 
istvan_kovacs.
Художник Янош Балог — «В память Евы Рутткаи и Золтана Латиновича»
§
Есть такие мужчины и женщины, имена которых, невзирая на то, что каждый из них в отдельности был значим и известен сам по себе, упоминаются всё же вместе. Причиной тому их личные отношения, ставшие легендой. Именно такими были знаменитый в своё время и, пожалуй, до сих пор оставшийся самым известным венгерским эстрадным певцом, Пал Сечи и замечательная венгерская драматическая актриса, игравшая на сцене театра и снимавшаяся в кино, Эдит Домьян.
Эдит была на 12 лет старше Пала, но это не мешало им любить друг друга, хотя за их спиной и шли пересуды. Причиной расставания стал прогрессирующий алкоголизм Пала. Алкоголем певец пытался заглушать депрессию, к которой он был склонен, но, судя по всему, этим он её только усугублял. Расставание далось им обоим очень нелегко. А через два месяца после этого на Рождество в свой день рождения Эдит покончила с собой, повесившись в своей квартире. Она оставила предсмертную записку, которую сохранил её бывший муж. В записке были слова: «Мне уже 40 лет.» До этого Эдит на протяжении многих лет, то ли в шутку, то ли всерьёз, постоянно говорила, что проживёт только 40 лет, потому что очень не хочет быть старой и некрасивой женщиной и актрисой. Через полтора года, наглотавшись транквилизаторов, ушёл из жизни Пал Сечи. И это была уже не первая его попытка самоубийства. Он винил себя в смерти Эдит Домьян. Перед этим в неоконченном письме к своему другу, которое впоследствие нашла его сестра Каталин, он писал, что после смерти Эдит в его душе что-то сломалось и он не может больше петь.
Пал Сечи (Szécsi Pál) — популярный венгерский эстрадный певец, родился 19 марта 1944 года в Будапеште.
Отец Пала — Ференц Сечи, профессор лингвистики, вместе с другими евреями был убит в конце 1944-го года в Будапеште.
Во время венгерских событий 1956-го года мать Пала, оставив его с сестрой Катикой на попечении чужих людей, бежала со старшей дочерью Марикой из Венгрии в США. Ехала она через Австрию. Там же — на вокзале в Вене она оставила 17-ти летнюю дочь, а сама отправилась дальше. Биографы Пала Сечи сходятся в том, что это предательство матери стало причиной неустойчивости психики Пала, когда он вырос: суицидальной склонности и склонности к депрессиям. Мне же кажется, что его мать сама страдала от психического расстройства, что и выразилось в её неадекватном поведении по отношению к своим детям. Поэтому сын мог унаследовать нездоровую психику от матери, а стресс, связанный с тем, что она бросила своих детей, ещё больше усугубил проблему со здоровьем у мальчика.
Слева на фотографии отец Пала — Ференц Сечи, справа — Пал вместе со старшей сестрой Марикой и матерью
Оставшийся без родителей Пал Сечи воспитывался в детском доме. После окончания школы он в нескольких местах работал разнорабочим. Потом ему предложили работать моделью в Доме моды и на этом поприще он успешно себя реализовывал.
В новогоднюю ночь 1965 года Пал принял участие в показе мод, который был организован в отеле Геллерт. После показа в баре отеля была вечеринка, на которой Пал спел несколько песен. Там на него обратили внимание серьёзные люди, имевшие отношение к музыкальному миру, и предложили заниматься пением профессионально. С этого момента и началась головокружительная карьера Пала Сечи как певца и любовь поклонников, а, особенно, поклонниц. Публика ласково называла Пала árva fiú (мальчик сиротка). Но у сиротки были серьёзные проблемы: психика его была слишком подвижной — любая неприятность грозила обернуться депрессией, кроме того у певца были проблемы с алкоголем — он часто уходил в запой, что мешало работе и личной жизни.
На фотографии Пал во время показа моделей в ресторане отеля.
Сотрудник национального телевидения Венгрии Ласло Банки, который занимался поиском молодых талантов, рекомендовал кандидатуру Пала для участия в национальном Фестивале популярной музыки — Táncdalfesztivál.
В 1967-ом году, после выступления на этом фестивале, к Палу Сечи сразу же пришла популярность и его имя стало известным всей стране. А песня, с которой он занял 2-е место на фестивале — Csak egy tánc volt (Это был просто танец), стала его визитной карточкой.
Szécsi Pál — Csak egy tánc volt (1967-es táncdal fesztivál)
Пал Сечи — Это был просто танец (1967 — фестиваль популярной (танцевальной) музыки)
На концерте присутствуют и авторы песни: композитор Тамаш Вадаш и автор слов Кальман Варга.
Продюсерами Пала была предпринята попытка добавить к его популярности в своей родной стране и международную популярность, с этой целью был выпущен альбом в Германии под именем Павла Моро, но успеха этот альбом по неизвестным причинам не имел. Это ввергло артиста в депрессию. Любая неприятность выбивала его из колеи, а, особенно, неудачи в личной жизни.
До своей встречи с Эдит Домьян он пережил несколько любовных романов, но все они закончились неудачно. Женщины, в которых влюблялся Пал, всегда были старше него — вероятно, в этом проявлялась его потребность в материнской любви и заботе, которых он недополучил в детстве. Случалось, что женщины эти были замужними, что вызывало дополнительные сложности в развитии отношений.
Однажды он даже был женат. В возрасте 18-ти лет он познакомился с 23-х летней польской моделью Гражиной Хаазе.
Пал Сечи и Гражина Хаазе
С этой любовью была связана первая попытка самоубийства Пала: он прыгал с моста в Дунай. Тем не менее в июне 1962-го года они поженились и через несколько месяцев Пал переехал к жене в Польшу. Там он продолжил карьеру модели, очень скоро освоил польский язык и даже подрабатывал гидом. Но к 1965-ому году семейные отношения разладились. Ещё какое-то время после развода Пал оставался в Польше, а потом в 1966-ом году вернулся домой в Венгрию.
В январе 1972-го года Пал Сечи записывался на венгерском радио и во время паузы познакомился с известной актрисой Эдит Домьян. Эта встреча стала началом бурного романа, продлившегося 10 месяцев, и в буквальном смысле роковой для обоих.
О смерти Эдит Палу сообщила его сестра Кати, она же вынуждена была отвезти после этого брата в психиатрическую больницу, так как слишком сильным для него стало это потрясение.
Подлечившись после трагического ухода из жизни Эдит Домьян, Пал пробовал начать новую жизнь: он уехал в ФРГ, спасаясь от чувства вины за её смерть и опасаясь осуждения со стороны общественности. Но эти страхи существовали исключительно в его голове, никакого отношения к реальности не имея. Сотрудничества со звукозаписывающими фирмами в Германии не получилось и Пал перебивался в Гамбурге несколько месяцев случайными зароботками. Даже попал в автомобильную аварию, в которой получил травмы лица. После этих бесконечных злоключений в Германии он вернулся в Венгрию.
В Будапеште ему опять предлагали записывать песни, но работа не клеилась, возникли серьёзные финансовые затруднения, в результате которых Пал вынужден был продать дом. Алкоголизм прогрессировал и наконец 30 апреля 1974-года после шести, а по некоторым сведениям — восьми, неудавшихся попыток самоубийства Пал Сечи умер в результате передозировки транквилизаторов.
Палу Сечи было 30 лет, его похоронили на будапештском кладбище Farkasréti (Волчий луг). Его похороны превратились в истерический скандал: толпы поклонниц бросались под колёса катафалка.
Смерть Пала Сечи потрясла его фанатов, она обрасла легендами и мифами. В честь его памяти была написана пьеса, в которой рассказывалось о шести его романах и шести попытках самоубийства, спектакль сопровождался песнями в исполнении Пала Сечи.
Начиная с 2007-го года, родственники Пала Сечи основали премию его имени, которая присуждается молодым эстрадным исполнителям. Имя певца стало легендарным — ему удалось ещё при жизни достичь беспрецендентной популярности.
Szécsi Pál — Fák, virágok, fény
Пал Сечи — Деревья, цветы, свет
Szécsi Pál nagy válogatás | Magyar Retro Válogatás | Nagy Zeneklub |
Пал Сечи — большой выбор венгерского ретро
Прекрасный альбом — все песни шлягеры. Вслушайтесь в мелодику венгерской речи и вам захочется слушать ещё и ещё.
Эдит Домьян (Domjan Edit) — известная венгерская актриса театра и кино, родилась 25 декабря 1932-го года в Будапеште.
Отец Эдит был заводским рабочим, а мать происходила из крестьянской семьи. Девочка росла в очень скромных материальных условиях.
Будучи школьницей, Эдит участвовала в художественной самодеятельности, успешно выступала на конкурсах и фестивалях, где читала стихи.
После отличного окончания школы Эдит поступила в Институт театрального искусства и кинематографии, который окончила в 1954-ом году.
1954-1960 годах — актриса Национального театра в Сегеде.
1960-1963 — играла в будапештском «Petefi» театре.
1963-1964 — в Национальном театре «Kamaraszínházában» (Будапешт).
1964-1972 — актриса «Madách» театра (Будапешт).
Эдит много и успешно снималась в кино, сыграла более восьмидесяти театральных ролей, была любимецей театральной публики — зрители влюблялись в неё, а зрительницы завидовали красоте, таланту и обаянию замечательной артистки.
Ещё во время учёбы в институте Эдит познакомилась со своим будущим мужем — Флорианом Кало (Kaló Flórián), с которым они вместе учились и который впоследствии стал не только актёром, но и драматургом. Однако в 1969-ом году они развелись, сохранив при этом хорошие отношения.
В январе 1972-го года она познакомилась с Палом Сечи. Их любовь была настоящей роковой страстью с трагическим финалом. После десяти месяцев отношений они расстались. Эдит даже пробовала что-то кардинально поменять в своей жизни — она повторно вышла замуж за своего бывшего мужа Флориана. Но ни от воспоминаний, ни от себя самой убежать она не смогла. В свой сороковый день рождения, как раз на Рождество, она покончила жизнь самоубийством. Она похоронена в Будапеште на том же кладбище Farkasréti, что и Пал Сечи.
В 1991-ом году муж Эдит Флориан Кало в её честь основал фонд её имени, который один раз в год — в декабре присуждает премии артисткам небольших театров из провинции по предложению директоров этих театров.
«Это было чистое сердце, которое жило ради искусства, но никто не мог проникнуть в тайну его одиночества.» — написал в своих воспоминаниях об Эдит Домьян Флориан Кало.
Флориан Кало (1932-2006)
Эдит Домьян, как и многие театральные актрисы, пела в спектаклях и в кинофильмах, в которых ей приходилось играть. Нельзя сказать, что у неё был какой-то необыкновенный голос, но тембр голоса очень приятный, а кроме того обаяние и артистизм делают своё дело.
Domján Edit — Köszönet mindenért
Эдит Домьян — Спасибо за всё
Domján Edit — Fátyolos a szemed
Эдит Домьян — Твои глаза затуманены
Ниже приведены фильмы с участием Эдит Домьян.
«Отелло в Дюлахазе» (1966)
Профессор преступного мира (1969)
В ролях: Эдит Домьян и Золтан Латинович
Книга сестры Пала Сечи — Каталин Сечи (Szécsi Katalin)
Больше, чем любовь
Их короткая любовь, длившаяся с января по октябрь, просто пылала огнём, а их смерть стала мистикой. На Рождество 1972-го года талантливая и красивая актриса покончила жизнь самоубийством. Некоторое время Пал пытался начать новую жизнь, но случившаяся трагедия подавляла его волю к жизни. Весной 1974-го года он тоже покончил с собой.
Трагическая смерть Пала Сечи и Эдит Домьян уже почти 40 лет будоражит общественное мнение.
Из предисловия к книге.
Фоном к сюжету звучит очень известная в прошлом песня под названием «Butterfly» (Бабочка), в исполнении Пала Сечи, правда, в венгерском варианте текста бабочка стала маленькой птичкой.
§
Katharine McPhee — I’ll Be Home For Christmas
Кэтрин МакФи — На Рождество я буду дома
Для каждого праздника имеются свои традиционные блюда. Так на Рождество в западных странах принято готовить жареную индейку.
Обычай ставить на рождественский стол запеченную индейку пришёл в Европу вместе с помидорами, картошкой и кукурузой из Америки.
При этом в каждой стране она подается под разными соусами и различными дарами природы. Например, во Франции ее запекают под белым вином, а в Англии подают с очень вкусным соусом из крыжовника. В Америке рождественскую индейку традиционно готовят с клюквенным соусом.
Индюшачье мясо было очень благосклонно принято католической церковью. В Кулинарной Книге повара папы Пия V Бартоломео Скаппи «Сочинение об искусстве готовить пищу» (1570) есть немало блюд из этой птицы, в том числе несколько рецептов праздничных блюд из индейки.
Именно тогда запеченную индейку и стали считать основным Рождественским блюдом.
Известный итальянский кулинар Винченцо Червио, лично готовящий кардиналу Фарнезе, считал индюшку необычайно ценным продуктом и непременным блюдом к пиршествам.
Ниже приведены два видеорецепта приготовления этого традиционного рождественского блюда.
Рецепт домашний, но я бы не сказала, что он самый простой.
А это мастер-класс от шеф-повара компании «Практика» Артура Грачёва. Рецепт совсем несложный.
И какой же праздник без вина? В разных странах на Рождество пьют различные вина и, конечно же, в обязательном порядке — шампанское. Особенно его любят во Франции. Но не только шампанское пьют во Франции на Рождество: в Бордо принято ставить на Рождество утку с кларетом или фуа-гра с сотерном, а в Бургундии — делают восхитительную бресскую курицу с Шабли Гран крю, а также шаролезскую говядину с красным выдержанным вином — Кот-де-Нюи.
Кроме того французы готовят для праздничного стола блюда из морепродуктов и рыбы, к которым подают легкие белые вина, а также очень вкусные соленые заварные пирожные с острым сыром.
В Италии местные жители также предпочитают на Рождество пить шампанское и вина, полученные из винограда, вырощенного в местных виноградниках.
В Германии готовят запеченную утку или гуся с яблоками, вместо индейки. Ее натирают солью, перцем и медом и подают на стол с орехами, изюмом и марципанами. Некоторые немцы и в этот святой вечер не могут отказаться от бутылочки хорошего пива, поэтому предусмотрительные хозяйки ставят его на стол вместе с сидром.
В Испании принято на праздничный стол ставить ароматный херес к блюдам из морепродуктов и сладостям.
В Португалии очень любят блюда из сушеной трески (баккалао) и запивают его сладким портвейном.
Вне зависимости от того, присутствует ли на Рождественском столе жареная индейка или нет, Рождественский стол во всех странах обилен и изыскан.
В западной традиции празднования Рождества большое значение придаётся сервировке праздничного стола.
Здесь каждая хозяйка старается проявить выдумку и свой, только ей присущий стиль. Стол накрывается специальными рождественской скатертью и салфетками и сервируется праздничной посудой, которая может по цветовой гамме совпадать с ёлочными украшениями. На столе обязательно стоят свечи и разные украшения, символизирующие Рождество: ангелочки, фигурки Санта Клауса, олени, снеговички.
Примеры сервировки праздничного стола на Рождество
Jingle bells — Звенят колокольчики
О смысле и традициях празднования Рождества у западных христиан можно прочитать в сюжете:
25 декабря у западных христиан Рождество — Традиции празднования Рождества на Западе
§
В праздновании Рождества гармонично сплелись церковные и народные обычаи. В католических странах хорошо известен обычай колядования.
Слово “коляда”, на латинском языке “calendae” (календы), означает первый день месяца.
В античном Риме январское “календе” начинало новый год. Первые дни нового года праздновались очень торжественно, распространился обычай в эти дни приходить друг к другу в гости с поздравлениями и пожеланиями.
Христиане этот обычай совместили с Рождеством Христовым. Колядование на Рождество — это хождения по домам детей и молодежи, распевающих колядки и щедровки, и желающих добра хозяевам. В ответ колядующим дарят колбасу, жареные каштаны, фрукты, яйца, пирожки, сладости. При этом жадных и скупых хозяев высмеивают и в шутку грозят им бедами.
В процессиях участвуют различные маски, ряженые в шкуры животных, это действо сопровождается шумным весельем. Всё это очень похоже на колядование, которое присутствует и в праздновании Православного Рождества. Но этот обычай неоднократно осуждался католической церковью, как языческий, и постепенно в Западной Европе с колядками стали ходить только к родственникам, соседям и близким друзьям.
А вот в Польше колядуют и по сегодня. А какие замечательные колядки поются при этом!
Обычай колядования даже запечатлён на оборотной стороне памятной польской монеты достоинством в 2 злотых выпуска 2001 года.
Dzisiaj w Betlejem — kolęda — Mazowsze
Польская колядка «Сегодня в Вифлееме» в исполнении знаменитого ансамбля песни и танца «Мазовше».
Do szopy, hej pasterze — kolęda — Mazowsze
Польская колядка «В хижину, эй, пастухи!» в исполнении ансамбля «Мазовше»
В западных странах на Рождество принято украшать улицы, магазины, свои дома и территорию возле них наряженными елями и праздничной иллюминацией.
У нас праздничное украшение городов начинается к Новому году, а не к Рождеству, потому что Русская православная церковь отмечает Рождество 7 января.
Оттого и начало предпраздничной суеты ассоциируется у нас именно с Новым годом, а не с Рождеством, как на Западе.
Поющий и светящийся в такт музыке домик (США)
А это Рождественский Фестиваль огней в парке ВанДузен (VanDusen Botanical Garden) города Ванкувера (Канада)
Танцуют огни под музыку Петра Ильича Чайковского
Рождественские огни — один из основных атрибутов Рождества в Канаде. Светящимися гирляндами украшаются не только праздничные ели и фасады домов, но и целые сады и парки.
Ещё один народный обычай, который стал Рождественской традицией и который свидетельствует о пережитках языческого культа солнца — это традиция зажигания обрядового огня в домашнем очаге — «рождественского полена».
Полено торжественно, соблюдая различные церемонии, вносили в дом, поджигали, одновременно творя молитву и вырезая на нем крест (попытка примирить языческий обряд с христианской религией).
Полено посыпали зерном, поливали медом, вином и маслом, клали на него кусочки еды, обращались к нему как к живому существу, поднимали в его честь бокалы вина.
Существует поверье, что зола после сжигания рождественского полена охраняет дом от несчастий в течение года. Так французы издавна прятали золу в белье для того, чтобы уберечь себя, своих близких и родных от несчастных случаев.
Большое значение в праздновании Рождества придаётся украшению внутренней части дома.
Главная традиция праздника Рождества — это обычай устанавливать в домах наряженное дерево ели.
Эта языческая традиция зародилась у германских народов, в обрядовости которых ель была символом жизни и плодородия.
С распространением христианства среди народов Центральной и Северной Европы украшенная разноцветными шарами ель обретает новую символику: ее стали устанавливать в домах 24 декабря, как символ райского древа с обильными плодами.
Ещё один традиционный атрибут Рождества — это рождественский венок.
Рождественский венок обычно делают из еловых веток с четырьмя свечами, которые закрепляют вертикально, а сам венок устанавливают на стол. В первое из четырёх воскресений адвента зажигается первая свеча, на следующей неделе — вторая и так далее.
Адвент (от латинского adventus — приход) — название периода Рождественского поста, принятое в среде христиан Католической церкви и некоторых протестантских деноминаций (например, у лютеран).
Адвент — время ожидания, предшествующее празднику Рождества Христова, во время которого верующие соблюдают пост и готовятся к празднику.
Рождественский венок был введён в рождественские традиции гамбургским лютеранским теологом Иоганном Хинрихом Вихерном, взявшим на воспитание нескольких детей из семей бедняков.
В адвент дети постоянно спрашивали воспитателя, когда же наступит Рождество.
Чтобы дети могли отсчитывать дни до Рождества, в 1839 году Вихерн смастерил из старого деревянного колеса венок, украшенный девятнадцатью малыми красными и четырьмя большими белыми свечами. Каждое утро в этом венке зажигалось по одной маленькой свечке, к которым по воскресеньям добавлялась большая свеча.
Католические рождественские венки часто украшаются тремя фиолетовыми и одной розовой свечой в соответствии с литургическими цветами богослужений адвента. Розовую свечу зажигают в третье воскресенье адвента, которое носит название Gaudete (Возрадуйтесь!).
Помимо венков со свечами делают рождественские венки и без них, для того, чтобы такой венок можно было повесить на входную дверь, на стену или на зеркало. Чаще всего их тоже делают из еловых веток, но вообще-то их можно делать из чего угодно — лишь бы это было красиво. Вот уже где есть возможность разгуляться творческой фантазии!
Поскольку с празднованием Рождества связано застолье, много внимания уделяется сервировке стола.
Здесь нет каких-то жёстких правил — главное, чтобы в этот день на столе было всё самое лучшее, что есть в доме: скатерть, салфетки, посуда.
Рождество — семейный праздник. В канун праздника вся семья садится за стол.
В сочельник, традиционная семейная трапеза состоит из постных блюд. Это рыба, овощи и фрукты, сладости.
В первый день Рождества подается праздничная скоромная пища: свинина, ветчина, птица. Изобилие на праздничном столе считается залогом благополучия в новом году.
Традиционным Рождественским блюдом считается жареная индейка. Обычай этот пришёл в Европу из Америки и стал необыкновенно популярным.
Активно в Америке стали пропагандировать индюшек иезуиты, которые выращивали птицу на новых плантациях.
И по сей день в Италии индеек называют gesuita.
У католиков Восточной Европы имеется свой интересный обычаи — хозяйки готовят тонкие лепешки (облатки). Их ставят в центре стола на подушечке, набитой сеном. Это есть некий символ рождение младенца Христа в Вифлеемской пещере.
Ужин начинается с того, что все участники отламывают кусочки облаток и желают друг другу счастья и всего самого наилучшего.
Облатка представляет собой тонкий выпеченный листок из пресного теста, в чем-то схожий с вафлей. Само название подразумевает то особое значение, которое имели облатки в повседневной жизни: термин происходи от латинского oblatio − то есть приношение, предложение, дар.
Облатки выпекаются в виде круга или прямоугольника, на самой поверхности облатки делается тиснение на рождественские сюжеты.
За праздничным столом оставляют одно свободное место. На тарелку кладётся облатка. Считается, что в этот день Христос может прислать своих посланников. Таким образом, это свободное место приготовлено для какого-то гостя — бедного человека или сироты. Принимая их за стол, согласно словам Иисуса, принимают к себе самого Христа.
Как и во время других праздничных трапез, во время рождественской трапезы пьют вино. Когда-то существовало даже специальное Рождественское вино — фалернское.
В поэтическом описании пира, который был устроен Карлом Великим в 800 году, было найдено первое упоминание о Рождественском вине. На это пиршество был приглашен Римский Папа
Лев III, которому подавались изысканные яства и золотые чаши с фалернским вином.
Об этом вине вскользь упомянул Михаил Булгаков в романе «Мастер и Маргарита» — это эпизод, когда Мастер в подарок от Воланда получает фалернское вино.
К сожалению, секрет изготовления фалернского вина не сохранился до наших дней. Но его прекрасно заменяют шампанские вина, которые традиционно подают к индейке, и другие вина, которые обычно принято употреблять к соответствующим блюдам.
На Рождество повсюду принять дарить друг другу подарки. В некоторых семьях обмен подарками происходит вечером в сочельник, в других — утром 25 декабря. Нередко подарки заранее кладут под елку или на специальный столик.
Во многих странах детям подарки приносит святой Николай (он же Санта Клаус).
У французов и франкоговорящих народов есть два новогодних персонажа Пер Ноэль (дословно — Дед Праздник, в данном случае — Дед Рождество) — добрый, дарящий подарки, и Пер Фуатер — дед с розгами, наказывающих детей, которые плохо себя ведут.
Все с нетерпением ждут Пер Ноэля, который ходит с клюкой, в деревянных башмаках и в широкополой шубе. К дому он подъезжает на осле, а в дом проникает через дымоход. Он приносит с собой корзину подарков.
В отличие от Деда Мороза, Пер Ноэль раскладывает подарки в обувь, оставленную перед камином.
В Германии вместе со святым Николаем приходит Кнехт Рупрехт — спутник и помощник святого Николая, который выполняет роль, сходную с ролью французского Пер Фуатера.
В Англии подарки приносит — Батюшка Рождество, в Финляндии — Йоулупукки, в Италии — Баббе Натали, но это не баба Наталья))), а настоящий дед. Короче говоря, почти в каждой стране есть свой Рождественский и новогодний волшебник, который похож на нашего Деда Мороза.
Подарки, которые дарят детям все эти волшебники, они раскладывают в специальные чулки для подарков, в обувь, кладут под ёлку или под подушку.
Но разве так уж важно, где рождественским утром дети обнаружат свои подарки — главное, чтобы они были.
В наше время традицию рождественских подарков связывают с принесением даров волхвами новорожденному Иисусу, хотя, скорее всего, это — следы языческого обычая обмена подарками в начале нового года, что должно было способствовать накоплению богатства в наступающем году. Перенятый христианами, этот обычай со временем переместился на Рождество, и поначалу церковью тоже весьма не одобрялся.
Несмотря на то, что православное Рождество, отмечаемое Русской православной церковью, наступит только 7 января, я думаю, стоит отмечать и это Рождество, ведь праздников много не бывает. Празднуем же мы два Новых года, почему бы и два Рождества не отметить?!
Весёлого Рождества!
Jingle bells — Колокольчики звенят
Поёт — Фрэнк Синатра
Синее Рождество — Blue Christmas
Поёт Элвис Пресли
Как и каждый церковный праздник Рождество, как у нас, так и на Западе, отличается набором обязательных и желательных блюд, которые подаются к столу в этот день. Как приготовить индейку — традиционное блюдо этого праздника, можно прочитать в сюжете:
Кулинарное шоу — рождественская индейка
§
Нью-Йорк — Рождество
Рождество на Западе считается самым большим праздником.
К нему заранее готовятся, украшают свой дом и город. Рождество — праздник домашний, семейный, весёлый и
вкусный.
На Рождетво у детей и взрослых начинаются каникулы и выходные дни. Рождеству посвящено множество песен и стихов, рассказов и сказок, ведь само Рождество — праздник сказочный. Многие рождественские истории положены в основу фильмов.
Есть одна очаровательная рождественская история, как и все рождественские истории, похожая на сказку, которые так любят не только дети, но и взрослые, причём не только в Рождество. Что интересно, так это то, что кинематографисты Голливуда в давние времена дважды обращались к этой истории: в 1940-ом и в 1949-ом годах. И нужно сказать, что оба фильма получились замечательно.
Венгерский драматург Миклош Ласло написал пьесу «Парфюмерия», по мотивам которой и были поставлены два этих голливудских фильма: «Shop Around The Corner» («Магазинчик за углом») (1940) и «In the Good Old Summertime» («Старым добрым летом») (1949) со знаменитой Джуди Гарленд в главной роли.
Затем этот сюжет ещё не единожды обыгрывался в кино и на сцене:
бродвейский мюзикл «She Loves Me» («Она меня любит») и популярный английский ситком «Вас обслуживают?»
Сюжет, положенный в основу фильмов, оказался настолько жизненным, что и в наше время нашёл своё воплощение в голливудском фильме «You’ve Got Mail» («Вам письмо») (1998) с Мэг Райан и Томом Хэнксом в главных ролях. Правда, с поправкой на возможности связи нашего времени.)))
Нужно сказать, что и советскому кинематографу этот сюжет оказался не чужд. Представители старшего поколения должны помнить фильм «Каждый вечер в одиннадцать» (1969) с Маргаритой Володиной и Михаилом Ножкиным в главных ролях.
Shop Around The Corner — Магазинчик за углом (1940)
В главных ролях:
Маргарет Салливан
Джеймс Стюарт
По мотивам пьесы Миклоша Ласло «Парфюмерия»
Парфюмерный магазин из пьесы в этой экранизации превратился в магазин кожгалантереи и подарков. Но разве так уж важно, где происходит действие этой рождественской истории? Главное, что всё заканчивается классическим голливудским хэппи-эндом.
Миклош Ласло (настоящее имя Николаус Ляйтнер) родился 20 мая 1903-го года в Будапеште, Венгрия — венгерский драматург, который с 1938-го года жил в США. Больше всего Миклош Ласло известен своей пьесой «Parfumerie» («Парфюмерия»), ставшей основой сценария для нескольких голливудских фильмов и бродвейского мюзикла. Благодаря этой пьесе за ним закрепилось прозвище «парфюмер».
Незадолго перед Первой мировой войной император Австро-Венгрии Франц-Иосиф издал указ, обязывающий всех неэтнических венгров принять национальные — венгерские имена для так называемой «культурной унификации» населения. Так венгр еврейского происхождения Николаус Ляйтнер стал Миклошем Ласло.
Семья родителей Ники крутилась в шоу-бизнесе. Мальчик рос в давке и суматохе военного времени, он отличался хорошим чувством юмора и умением выражать свои мысли на бумаге. Со временем его театральные миниатюры для небольших театров и кабарэ, которыми в дополнение к тем средствам, которые выделял ему отец, он обеспечивал себе безбедное существование «молодого человека с возможностями», завоевали признание широкой публики.
Отец Николауса зарабатывал очень хорошо, но он и тратить деньги умел так же. Пришло такое время, когда доходы перестали покрывать расходы — от всех этих переживаний отец внезапно умер. Забота о матери и восьми младших братьях и сёстрах легла на плечи Ники. Кем только ему не пришлось работать: коммивояжером, продавцом галстуков, разнорабочим, клерком. Он перепечатывал сценарии на машинке, делал на фабрике конфеты, работал на нефтяном заводе… Словом, прошёл отличную школу жизни, так необходимую любому писателю и драматургу.
В 1934-ом году Миклош Ласло за свою первую большую 3-х актную пьесу получил почётную литературную премию Венгерской Королевской академии, бывшую аналогом американской Пулитцеровской премии.
Незадолго перед началом Второй мировой войны, в 1938-ом году, Миклош Ласло, как и многие другие венгерские евреи, перебрался в США. Осенью 1939-го года Миклош женился на начинающей молодой актрисе, дочери успешного американского предпринимателя Флоренс Херрман.
В Нью-Йорке Миклош Ласло продолжал писать пьесы и сценарии и, хотя его произведения были весьма популярны не только в кругах венгерских эмигрантов, но и среди англоязычной публики, всё же не всегда ему удавалось сводить концы с концами.
19 апреля 1973 года Миклош Ласло умер в Нью-Йорке в возрасте 69 лет.
In the Good Old Summertime — Старым добрым летом (1949)
В главных ролях:
Джуди Гарленд
Вэн Джонсон
Бастер Китон
По мотивам пьесы Миклоша Ласло «Парфюмерия»
В этой экранизации пьесы Миклоша Ласло магазинчик стал музыкальным. Видимо, для того, чтобы иметь возможность продемонстрировать таланты Джуди Гарленд: замечательные умения петь и танцевать.
Этот фильм — классический голливудский музыкальный фильм, каких немало было снято в Голливуде в те годы. Да и сама Джуди переиграла множество таких, нужно признать, очень выигрышных ролей.
В роли второго плана в фильме снимался Бастер Китон — звезда немого кинематографа.
In the Good Old Summertime (1949) Judy Sings a Christmas Song
Джуди поёт Рождественскую песню из фильма «Старым добрым летом» (1949)
Джуди Гарленд (Judy Garland), урождённая Френсис Этель Гам (Frances Ethel Gumm) родилась 10 июня 1922 в Гранд-Рапидс, Миннесота, США — американская актриса и певица, лауреат премий «Золотой глобус», «Грэмми», «Тони» и Молодёжной награды киноакадемии, а также ещё дважды номинантка на премию «Оскар».
Мать актрис Лайзы Миннелли и Лорны Лафт.
В 1999 году Джуди Гарленд была включена Американским институтом киноискусства в список величайших американских кинозвёзд.
Фрэнсис Этель Гамм родилась в семье бродячих актёров. Начала выступать ещё в детстве. Дебют состоялся в два с половиной года, когда она вместе со своими старшими сёстрами Мэри Джейн Гамм (1915-1964) и Дороти Вирджинии Гамм (1917—1977) на рождественском спектакле на сцене кинотеатра её отца спела песенку «Jingle Bells».
Джуди Гарленд в детские и юношеские годы — сама и со старшими сёстрами
В 1934 году сёстры, которые много лет гастролировали с водевильным шоу «Сёстры Гамм», выступили в Чикаго в «Восточном театре» с Джорджем Джесселом. Именно Джордж Джессел выбрал сценический псевдоним для сестёр — сёстры Гарленд, а сама Фрэнсис сменила имя на Джуди. Мать девочек упорно продвигала их в кино: в 1935 году она добилась того, чтобы их просмотрели на студии «MGM».
Джуди Гарленд даже не успели ни переодеть, ни причесать, но именно естественная непринужденность девочки и привлекла Луиса Майера. Киностудия заключила с 13-летней актрисой долгосрочный контракт, причём без кинопроб — это был единственный случай за всю историю компании.
В 17 лет Джуди Гарленд получила специальный «юношеский» Оскар за роль в музыкальном фильме «Волшебник страны Оз» (фильм можно посмотреть здесь).
Дальнейшая артистическая карьера Джуди была и великой, и трагической одновременно. Большое число ролей, любовь зрителей и артистическая слава стоили ей очень дорого. Ещё со времени юности представители киностудии оказывали на неё постоянное давление во всём: начиная с личной жизни и кончая здоровьем. Так во время первой беременности её в приказном порядке заставили сделать аборт, чтобы беременность и рождение ребёнка не мешали работе артистки на киностудии. Её постоянно пичкали медицинскими препаратами: снотворным, противозачаточными, стимуляторами, таблетками для стабилизации веса, что очень скоро вызвало привыкание организма. Фактически у Джуди Гарленд развилась наркотическая зависимость.
Личная жизнь тоже не складывалась: четыре распавшихся брака. Единственным хорошим, что осталось от неудавшихся семейных отношений, были дети: известная всему миру актриса Лайза Минелли, Лорна и Джоуи Лафты.
На фотографиях Джуди Гарленд со своей старшей дочерью Лайзой Минелли.
В конце 40-х годов популярность Джуди Гарленд пошла на убыль. Продюсеры считали, что её лучшие годы позади. Телефон замолчал, режиссёры перестали предлагать работу. Джуди тяжело переживала это, именно в то время она стала принимать наркотики и злоупотреблять алкоголем.
Но вскоре Джуди доказала, что её ещё рано списывать со счетов. В 1954 году 32-летняя актриса сыграла главную роль в музыкальном фильме Джорджа Кьюкора (George Cukor) «A Star Is Born» («Звезда родилась»). Роль Эстер — провинциальной девушки, мечтающей покорить Голливуд, Джуди сыграла великолепно. Это не развлекательный фильм, а горький и жестокий рассказ о пути актрисы в кино, о таком коротком мгновении славы и таком мгновенном забвении. Так Джуди вновь оказалась на вершине, но в музыкальных фильмах она больше не играла. После этого она много гастролировала, записывала диски.
22 июня 1969-го года Джуди Гарленд была найдена мертвой в ванной её последним мужем Микки Динсом в их арендованной квартире в лондонском районе Челси. Это случилось через 2 недели после её 47-летия. Причиной смерти стала случайная передозировка барбитуратов.
Похоронена Джуди Гарленд на кладбище Фэрнклифф в Нью-Йорке.
Легенды мирового кино — Джуди Гарленд
Чудо-ребенок, королева мюзиклов, мисс шоу-бизнес — Джуди Гарленд называли по-всякому, но все без исключения навечно влюблялись в ее волшебный голос и бесконечный экранный оптимизм. Она всегда останется Дороти из фильма «Волшебник страны Оз», милой девочкой с лучезарной улыбкой и чистыми глазами. Несмотря на то что ее жизнь была слишком короткой и слишком печальной сказкой.
Джуди Гарланд и Винсенте Минелли поженились в июне 1945 года через полгода после оглушительного успеха фильма “Встретимcя в Сент-Луисе”. Затем было ещё несколько совместных работ (в то время фильмы снимали быстро).
Потом Джуди решила записать свой первый альбом. В январе 1946 года его главный шлягер “The Trolley Song” возглавил американский хит-парад. А буквально через несколько дней Джуди родила девочку, которую в честь матери Винсенте было решено назвать Лайзой.
Judy Garland — The Trolley Song (Meet Me In St. Louis, 1944)
Джуди Гарленд — Трамвайная песенка
Великие романы ХХ века — Джуди Гарленд и Винсент Миннелли
Уж не знаю, почему авторы этого фильма классифицировали отношения Джуди Гарленд и Винсента Минелли как великий роман, но, как бы то ни было, этот фильм посмотреть стоит.
История же взаимоотношений Джуди Гарланд и её не менее звёздной дочери Лайзы Минелли сложна и противоречива. Нельзя сказать, что Джуди была плохой матерью. Однако звезда, постоянно занятая на съемках и концертах, к тому же взбалмошная и легкомысленная, привыкшая к всеобщему поклонению, просто не могла уделять дочери много внимания. После развода родителей Лайза осталась с матерью. Впоследствии она вспоминала, что Джуди, не умеющая обращаться с деньгами, часто оказывалась «на мели» и Лайзе не раз приходилось испытывать позор и унижение, когда их с матерью выставляли из отелей, потому что одна из самых ярких американских «звёзд» не могла оплатить счёт.
Постепенно на плечи Лайзы легли обязанности по дому: походы по магазинам, ответы на письма поклонников Джуди, забота о младших брате и сестре.
Лайза вынуждена была опекать Джуди, которая то напивалась допьяна, то накачивалась наркотиками, то пыталась наложить на себя руки — традиционный набор для многих представителей шоу-бизнеса. Лайза прятала от матери таблетки, а в случае необходимости вызывала врачей. Спустя годы Минелли скажет: «Я прошла ускоренный курс взросления. Я слишком многое узнала, слишком быстро и слишком рано».
Когда же Лайза решила стать актрисой, Джуди пыталась отговорить её. То ли боялась, что дочери будет трудно в жестоком мире шоу-бизнеса, то ли предполагала, что Лайза затмит её славу (как выяснилось позже, не без оснований). Джуди отказала ей в материальной поддержке. И Лайза начала свою карьеру, имея лишь 100 долларов в кармане. Ей помог друг семьи Фрэнк Синатра, приславшей девушке 500 долларов.
В ноябре 1964 года Джуди Гарланд пригласила дочь, начинающую певицу, выступить с ней в лондонском зале «Палладиум». Джуди никак не ожидала, что Лайза затмит её, заставив поблекнуть на фоне своей искрящейся молодости.
Два концерта в Лондоне стали закатом одной и восхождением другой звезды. Впрочем, с тех пор отношения матери и дочери наладились. Видимо, всё же не ревность к возможной более удачной карьере дочери была причиной нежелания помогать ей стать актрисой, а боязнь за возможные неудачи на этом пути, которые могли бы испортить её жизнь.
Judy Garland & Liza Minnelli — Together — 1963
Джуди Гарленд и Лайза Минелли — Вместе — 1963
Judy Garland with Her Kids — Together — 1967
Шоу Джуди Гарленд — Джуди Гарленд и её дети (Лайза Минелли, Лорна и Джоуи Лафт) — Вместе — 1967
Телевизионная передача из серии «Легенды мирового кино» о Джуди Гарленд
Ведущий — Константин Карасик
Judy Garland — Over The Rainbow
Джуди Гарленд — Выше радуги
Выше радуги — классическая песня-баллада на музыку Гарольда Арлена и слова Эдгара Харбурга, написанная специально для мюзикла «Волшебник страны Оз» (1939).
Песня была исполнена Джуди Гарленд и стала её визитной карточкой.
Every Judy Garland film in 14 minute
Все фильмы Джуди Гарленд за 14 минут
§
Поскольку свою трудовую биографию начинала я в Ташкенте, временами интересуюсь, что там и как, а потому заглядываю на ташкентские форумы. Вот как раз на одном из таких форумов довелось мне прочитать историю из жизни, рассказанную уроженцем Ташкента, корейцем по национальности, который после 1991-го года, оставшись без работы, как и многие другие корейцы из Узбекистана, поехал на заработки в Южную Корею. Благо, что с языком проблем нет, да и родственники в тех краях имеются. Работу он нашёл, как-то обустроился — даже семью перевёз. Но общаться всё же предпочитает со своими — с советскими корейцами. Вот сидели они как-то раз с приятелем в баре, а там же «отдыхали» туристы из ФРГ: шестеро здоровенных мужиков. Немцы набрались под завязку и давай буянить и крушить всё, что под руку попадётся. Хозяин заведения, обслуживающий персонал и другие посетители в ужасе, попытки утихомирить «гостей» заканчиваются плачевно: немцы — здоровенные такие лоси, а корейцы, как известно, высоким ростом в массе не отличаются. Наши двое ребят сначала держались в стороне, так как по многим причинам им не хотелось потом иметь дело с полицией. Но, видя, что с немчурой сладу нет и они могут не оставить камня на камне в этом баре, вспомнили свою армейскую службу в десантных войсках и с криками «За Родину! За Сталина!» за несколько минут расшвыряли немцев, как котят. Гансы так оторопели от того, что корейцы, мало того, что по-русски разговаривают, так ещё и Сталина поминают, что буквально валились на пол кулями. Видать, бедняги, решили, что белочка пришла или пушистый северный зверёк. Глядишь, и с выпивкой завяжут, чем чёрт не шутит.)))
Включи звук и кликни на картинку!
§
Венская филармония — Золотой зал
Здание Венской филармонии — открыто императором Австро-Венгрии Францем Иосифом в 1870 году
Иоганн Штраус-сын — Kaiser-Walzer — Императорский вальс
Новогодний концерт в Венской филармонии (2003)
Дирижёр — Николаус Арнонкур
Co kraj to obyczaj — говорят поляки, что означает: в каждой стране свои обычаи.
И это действительно так — вот в России кто-то 31 декабря каждого года непременно ходит в баню, на Украине кто-то тащится на Майдан, а в Австрии 1 января каждого года любители классической музыки и, особенно, музыки представителей семейства Штраусов, ходят в Венскую оперу и в Большой зал Венского музыкального общества (Венская филармония).
На фотографиях Золотой зал Венской филармонии
Эти замечательные концерты собирают изысканную публику — и то сказать, какие дирижёры в разные времена руководили Венской оперой и Венской филармонией — достаточно вспомнить только Герберта фон Караяна.
Новогодний концерт Венского филармонического оркестра (1987)
Дирижер — Герберт фон Караян
Strauss — Radetzky March — Karajan
Иоганн Штраус-отец — Марш Радецкого- заключительный номер новогоднего концерта 1987-го года
Дирижёр — Герберт фон Караян
Венский филармонический оркестр исполняет «Марш Радецкого», написанный Иоганном Штраусом-отцом в качестве приветствия войскам фельдмаршала Иоганна Йозефа Венцеля Радецкого, возвращавшимся после подавления восстания в Италии в 1848 году.
Позже этот марш стал парадным маршем гусарского полка Радецкого.
Запись сделана во время традиционного новогоднего концерта в Венской филармонии в 1987 году, который обычно проходит в Золотом зале.
Интересно, что в наше время «Марш Радецкого» является парадным гимном чилийской Военной академии имени Бернардо О»Хиггинса.
На стадионе датского футбольного клуба «Орхус» этот марш играют всякий раз, когда хозяева поля забивают гол.
Марш исполняется перед вылетом на всех рейсах крупнейшей израильской авиакомпании «Эль-Аль».
Герберт фон Караян родился в 1908 году в Австро-Венгрии в городе Моцарта Зальцбурге.
С 1916 по 1926 год учился в Зальцбургской консерватории, уже во время учёбы у него появилась склонность к дирижированию.
С 1929 по 1934 год был первым Капельмейстером в театре города Ульм в Германии.
С 1934 пр 1941 год был дирижёром оперного театра города Ахен в Германии.
В 1935 году Герберт фон Караян стал самым молодым в Германии Генеральным музыкальным директором.
В 1955 году был пожизненно назначен музыкальным руководителем Берлинского филармонического оркестра, с которым впервые выступил в далёком 1937 году.
С 1957 по 1964 год был художественным директором Венской государственной оперы, работал с Венским филармоническим оркестром. В рамках традиционного Моцартовского фестиваля в своём родном Зальцбурге Герберт фон Караян основал Пасхальный фестиваль.
Умер дирижёр в 1989 году в городе Аниф в Австрии.
Герберт фон Караян был одним из самых знаменитых дирижёров XX века. Он оставил после себя обширную дискографию. Это всё то, что можно поставить ему в заслугу, но, как говорят, и на солнце есть пятна.
В 1933 году, через несколько месяцев после прихода Гитлера к власти, Герберт фон Караян вступил в национал-социалистическую партию, что в большой степени споспешествовало его карьере. Он дирижировал операми Рихарда Вагнера, столь любимыми фюрером. Однако, как утверждают современники, на одном из представлений Гитлер обратил внимание на то, что Караян дирижирует по памяти, без партитуры, это вызвало возмущение фюрера и с тех пор он не посещал спектакли, в которых дирижировал Караян.
Караян очень много внимания уделял PR-акциям, посвящённым его выступлениям и записям дисков. Вспоминают такой случай: записывался совместный диск оркестра, руководимого Караяном, и трёх великих советских музыкантов — Рихтера, Ойстраха и Растроповича. Записали с одного дубля, но Рихтер (очень взыскательный музыкант) хотел повторить исполнение, так как его что-то не устроило в первом варианте, на что Караян посетовал на нехватку времени, так как он хотел успеть ещё вместе со всеми сфотографироваться.
Многие ставят Караяну в вину и то, что он назначал очень высокие гонорары приглашённым музыкантам, таким образом чрезмерно завышая и свой собственный гонорар.
Но, как бы то ни было, а дирижёром он был блестящим и разноплановым, хотя и не все произведения, дирижируемые им, собирали положительные отзывы критиков.
«Красота, как я ее вижу» — Герберт фон Караян
Документальный фильм о великом маэстро
«Маэстро, маэстро» — Герберт фон Караян
Документальный фильм, посвящённый великому дирижёру
Mein Lebenslauf ist Lieb und Lust — Neujahrskonzert / New Year’s Concert (01.01.2021)
Линия моей жизни — любовь и наслаждение — Новогодний концерт (01.01.2021)
Венский филармонический оркестр под управлением Франца Вельзера-Мёста открыл Новый год, как уже заведено, в Венской филармонии с традиционного «Новогоднего концерта-2021».
Оркестр и дирижер представили свою программу не только для аудитории, присутствуюшей в Золотом зале, но и телезрителям в более чем 70 странах мира.
В силу традиций Венского филармонического оркестра, «Новогодние концерты», начавшиеся в самые мрачные времена Второй мировой войны, ежегодно проводятся и сегодня, что является не только презентацией музыкальной культуры на самом высоком уровне, но и отправляет музыкальное новогоднее приветствие всему человечеству в духе мира и дружбы.
В традиционно установленную программу концерта, каналом 3sat, транслировавшем концерт, в связи с начинающимся «годом Ференца Листа», были сделаны балетные вставки: артисты балета Венской государственной оперы исполняют миниатюры в постановке Хосе Мартинеса, который является солистом Парижской национальной оперы, а в последние годы востребован во многих странах мира ещё и как хореограф.
Франц Вельзер Мёст (Франц Леопольд Мария Мёст) родился 16 августа 1960 года в округе Монбризон (департамент Луара) во Франции — австрийский дирижёр.
Франц Мёст начал заниматься музыкой в детстве. Сначала он занимался на скрипке,
однако вынужден был оставить занятия, после того как попал в автомобильную
аварию. После этого он занялся дирижированием.
В 1985 году он сменил своё сценическое имя на Вельзер-Мёст в честь города Вельс, где прошло его детство.
В 1980-е годы он начал выступать с ведущими мировыми оркестрами.
В 1990 году стал художественным руководителем Лондонского филармонического оркестра.
В 1996 году ушёл из этого оркестра.
С 1995 по 2008 год Франц Вельзер Мёст являлся дирижёром Цюрихского оперного театра.
С 2002 года он возглавляет Кливлендский симфонический оркестр.
В июне 2008 года оркестр объявил о дальнейшем продлении его контракта с оркестром
Кливленда до сезона 2021-2021 года.
6 июня 2007 года австрийское правительство объявило о назначении Франца Вельзера-Мёста музыкальным руководителем Венской государственной оперы, начиная с сентября 2021 года.
На этом посту он заменил японского дирижёра Сейдзи Озава.
Хосе Карлос Мартинес родился в 1969 году в городе Картахена (Испания).
Хосе Мартинес учился в Международной школе Розеллы Хайтауэр в Каннах.
В 1987 году он выиграл Приз Лозанны и прошёл подготовку в школе балета Парижской оперы.
В 1988 году он поступил в балет Парижской Оперы.
В 1992 году Хосе Карлос выиграл золотую медаль на конкурсе танцев в Варне (Болгария).
В 1997 году он был назван танцовщиком -этуаль (премьер-танцовщиком) — высшее звание в иерархии танцовщиков Парижской оперы.
Отличительные черты стиля Хосе Мартинеса — это сочетание врожденной естественной элегантности с блестящей техникой.
Он был удостоен многих престижных наград — среди них: приза «Danza & Danza» (вместе с Агнес Летесту) для лучшей пары года, в 1998 году; приза Леонида Мясина в 1999 году; Гран премио Насьональ де Данза (Министерство культуры Испании) и других.
В качестве приглашенного солиста он танцевал с Национальным балетом Кубы, в Штаатс Опере Берлина, с Токийским балетом, с Голландским национальным балетом, с балетом Оперы в Ницце, с Хорватским Национальным балетом, балетом театра «Ла Скала» в Милане, балетом Коммунального театра города Фьоренцы.
Хосе Мартинес выступал в многочисленных гала-концертах по всему миру: в Амстердаме, Берлине, Каннах, Далласе, Хельсинки, Гаване, Лиссабоне, Лондоне, Мадриде, Нью-Йорке, Риме, Санкт — Петербурге , Токио.
Он считается одним из величайших балерунов своего поколения. Помимо этого уже на протяжении нескольких лет Хосе Карлос Мартинес успешно работает хореографом.
Хосе Карлос Мартинес был назначен новым художественным руководителем Национального балета Испании. Об этом объявил министр культуры Испании Анхелес Гонсалес Синде.
Мартинес вступит в должность с сентября 2021 года. Срок контракта пять лет.
Иоганн Штраус-отец — Венский вальс
